La galerie de minéralogie du MNHN, épistémologie d’un décor – programme SPESCIES

Olivier Vayron, doctorant en Histoire de l’art à Paris 4- Sorbonne, nous présente le programme SPECIES du Muséum National d’Histoire Naturelle.

Cliquez ici pour écouter ou ré-écouter notre séance


Entre 1851 et 1862, Auguste Biard, peintre salonnier, apprécié du public, reçoit de l’Etat français la commande d’un grand panorama à 360° de la Baie de la Madeleine au Spitzberg pour orner la galerie de minéralogie du Muséum de Paris. Ce cycle décoratif résulte d’une grande vague de production sur le thème du Grand Nord que le peintre réalise dès 1839 à son retour du Spitzberg à bord de la corvette La Recherche.
La corvette La Recherche fut en effet missionnée dès 1835 pour trouver les rescapés du navire La Lilloise perdue dans les mers du Nord. Embarque à son bord, à partir de 1836 et durant quatre années de suite, des scientifiques, des médecins et des peintres afin de réaliser un rapport complet sur les régions isolées, possiblement productives mais encore peu explorée du Grand Nord. Le résultat des récoltes, les mesures, les analyses, les relevés et les croquis, furent rapidement divulgués et publiés dans une série de comptes rendus et d’atlas pittoresques. Outre les périodiques qui communiquaient au public les avancées de cette série de voyages d’explorations, les premiers artisans qui rendirent compte, à grande échelle, de la physionomie de ces régions furent les artistes. A commencer par le grand panorama de Biard au muséum de Paris, ces œuvres, entre velléités scientifiques et évocations fantasmagoriques, ont influencé longtemps l’image que le public se fit du Grand Nord.

Programme 2016-2017

Pour l’année 2016-2017, nous aurons donc un cycle de six conférences donnant l’occasion aux différents chercheurs invités de présenter leur publications récentes, mais aussi quatre séances méthodologiques qui permettront aux jeunes chercheurs d’exposer leur travaux et de confronter leurs approches dans une atmosphère d’intimité, ces moments d’échange seront pour eux l’occasion de présenter l’avancement de leurs propres recherches.

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  • 28 septembre 2016: 18h à 20h, salle Nicolas-Claude-Fabri-de-Pereisc, séance Méthode.

L’art anglais.

Les doctorantes Cybill Whalley et Deborah Waintraub, qui travaillent respectivement sur « Les représentations de la montagne en Grande-Bretagne (Angleterre, Écosse, Pays de Galles) dans les arts visuel entre 1747 et 1867″, et  sur  » Le portrait britannique et la question du style (XVIIIe-XIXe siècles) » sont invitées à parler de l’avancement de leur travail. Pour leur répondre et les orienter Monsieur le professeur Pierre Wat sera présent, et nous aurons également la chance d’avoir les conseils de Monsieur Frédéric Ogée.

 

  • 19 octobre 2016 : 18h à 20h, salle Vasari, Séance Invité.

Table-ronde autour de Bertrand Tillier (dir.), L’Art du XIXe siècle (Paris, Citadelles et Mazenod, 2016).

A L’occasion de la sortie de l’ouvrage synthèse L’Art du XIXe siècle chez Citadelles et Mazenod, nous auront la chance de recevoir non seulement le directeur de publication Bertrand Tillier, mais aussi quatre autres des auteurs de ce recueil : Pierre Wat, Dominique Poulot, Paul-Louis Roubert et Rossella Froissart.

 

  • 23 novembre 2016 : 18h à 20h, salle Nicolas-Claude-Fabri-de-Pereisc, séance Méthode.Séance Ouverte

Chaque doctorant en arts du XIXe siècle est  invité à préparer une série de questions qu’ils souhaitent aborder. Cette sessions sera l’occasion d’évoquer les difficultés liées au corpus, nous aborderons aussi les ouvrages historiographiques clé de notre période, et les différentes méthodes d’analyse d’œuvre. Cette séance sera supervisée par Monsieur le professeur Pierre Wat.

 

  • 14 Décembre 2016 : 18h à 20h, salle Benjamin, Séance Invité

Mythes artistiques et identités culturelles : Aline Magnien et Eric Michaud

STUDIO XIX accueille Aline Magnien (directrice du LRMH et ancien conservateur en chef des collections  du Musée Rodin) et Éric Michaud (Directeur d’études à l’EHESS) pour une réflexion sur les mythes artistiques et les identités culturelles.

Cette séance résulte de la rencontre intellectuelle entre deux horizons – l’un monographique et l’autre historiographique – et deux auteurs qui ont manifesté une curiosité réciproque pour leurs travaux. Ce sont deux trajectoires de recherche qui se croisent aujourd’hui, d’un côté les études fondatrices d’Éric Michaud sur les fantasmes identitaires de l’histoire de l’art, de l’autre l’intérêt croissant d’Aline Magnien pour l’élaboration du mythe Rodin, par la référence notamment à Rembrandt, Michel-Ange ou Puget. Ces modèles esthétiques et biographiques ne sont pas neutres idéologiquement. Au contraire, ils nourrissent la légende « française » de Rodin en réveillant une géographie esthétique et anthropologique reposant sur la polarité du Nord et du Sud de l’Europe, des modèles antiques et médiévaux, des caractères latins et germains, païens et chrétiens.

A la veille de la grande rétrospective qui honorera le centenaire de la mort du sculpteur aux Galeries Nationales du Grand Palais, il s’agit donc d’analyser comment l’image en construction de Rodin et, par-delà Rodin, d’un certain « génie français », s’insère dès l’origine dans un système de représentations qui, de Louis Courajod à André Chastel, de Karl Schnaase à Heinrich Wölfflin, soumet la question esthétique à de tels a priori raciaux, identitaires ou nationaux.

 

  • 18 janvier 2017 : 18h à 20h, salle Benjamin, Séance Invité,

Présentation de la base Bibliographies de critiques d’art francophones par Marie Gispert et Lucie Lachenal.

Marie Gispert, à l’origine du projet avec Catherine Meneux, nous parlera de la réalisation du site internet hébergé par l’Université Paris 1, qui a pour objectif de mettre à disposition des chercheurs des bibliographies primaires de critiques d’art, assorties de la littérature secondaire correspondante et d’un référencement des archives disponibles. Ce site donnera notamment accès à une base de données comprenant l’ensemble des références présentes dans les bibliographies primaires des critiques d’art recensés.

Lucie Lachenal, vacataire scientifique au sein du projet, exposera le Workshop dédié à la base, qui se tiendra le 3 février prochain, visant à les chercheurs avec la base mais aussi à l’utiliser en direct en récupérant des données et en les traitant pour constituer des objets de recherche.

Elles évoqueront également la journée d’étude sur les critiques d’art qu’elles organisent le 31 mars.

  • 22 février 2017 : 18h à 20h, salle Nicolas-Claude-Fabri-de-Pereisc, Séance Méthode

Les arts décoratifs.

Adélaïde Lacotte qui travaille sur « L’œuvre du céramiste André Metthey ( 1871-1920). Art de la céramique et céramique d’artiste », nous présentera sa thèse et nous dévoilera ses questionnements. Pour cette session Monsieur le professeur Emmanuel Pernoud nous fera profiter de son expérience.

  • 22 mars 2017 : 18h à 20h, salle Benjamin, Séance Invité

Catégories esthétiques et classifications historiques au musée : le cas du musée du Louvre.

Danièle Cohn et Sébastien Allard.

Au cœur du display of art et des interrogations sur la scénographie, l’accrochage au musée devient un enjeu majeur dans l’histoire des arts et l’esthétique, à la croisée des chemins entre voie naturaliste et voie culturaliste. Cette pratique à la fois met en place une rhétorique du voir, et repose sur elle. Elle conditionne l’ expérience des œuvres dont dépendent les visiteurs. L’accrochage est certes marqué par le renouvellement que les neurosciences ont opéré dans l’approche de la vision et de l’orientation dans l’espace. Mais il est aussi historique de part en part et son histoire croise et vivifie celle des collections privées et des musées, de leurs architectures comme du marché de l’art.  Deux notions clé en esthétique et histoire de l’art nous guideront : la notion de catégorie et celle de classification, en prenant en compte la dimension pratique et empirique de part en part historique de ces deux notions à travers l’analyse de l’emploi qu’en fait le musée.

 

  • 19 avril 2017 :  18h à 20h, salle Benjamin, Séance Invité

Jean-Philippe Garric et Philippe Bordes : conférence autour de la question de l’architecte décorateur et Charles Percier (1764-1838).

Philippe Bordes, professeur émérite d’histoire de l’art moderne à l’Université Lyon 2, et Jean-Philippe Garric, professeur d’histoire de l’architecture à l’Université Paris 1, tous deux spécialistes de ces périodes, interviendront en reprenant un dialogue amorcé il y a plusieurs années autour de la production et des activités de Charles Percier.

Ils échangeront à travers les différentes problématiques abordées au sein du catalogue de l’exposition « Charles Percier (1764-1833), architecture et Design » récemment inaugurée au musée du château de Fontainebleau (et qui s’est tenue au Bard Center de New-York fin 2016), orchestrée par J-Ph. Garric.

Les contributions de cet ouvrage apportent des réflexions nouvelles autour de la figure de l’architecte, du décorateur, du dessinateur, du créateur de mobilier et d’objets d’art. En premier lieu, le débat scientifique tourne autour du processus créatif de Percier, œuvrant en étroite association avec l’architecte Pierre Fontaine. Souvent assimilés l’un à l’autre, quels sont les enjeux du choix de Percier sans Fontaine ? D’avantage dessinateur et spécialiste d’ornement, son rapport aux arts graphiques, utilisés comme support ou comme forme d’art en soi, ainsi que l’abondance de sa production (décoration intérieure, ébénisterie, orfèvrerie, céramique, projets d’architectures, relevés, dessins, etc.) incite à se poser la question du rôle de l’architecte et de l’artiste à l’aube du XIXe siècle.

  • 17 mai 2017 : 18h à 20h, salle Nicolas-Claude-Fabri-de-Pereisc, Séance Méthode

Les Arts graphiques

Stéphanie Prenant dont le sujet de thèse est « Le renouveau du pastel entre 1870 et 1914, à partir de l’étude des collections muséales françaises » présentera son travail.

Pour cette séance Monsieur le professeur Pierre Wat sera présent pour guider les réflexions.

 

  • 14 juin 2017 :  18h à 20h, salle Benjamin, Séance Invité

Perspectives historiographiques, M. Passini, François-Renée Martin et Pierre Wat.

Dans un ouvrage, à la fois érudit et très accessible, Michela Passini offre un panorama de tout premier plan pour quiconque voudrait se familiariser avec les grandes figures et les grands concepts de la théorie visuelle, en même temps qu’une synthèse pionnière montrant comment l’histoire de l’art s’est constituée en discipline, avec ses institutions propres ses plateformes d’échanges et ses dispositifs de contrôle de la production scientifique. Avec ce livre aussi documenté qu’ambitieux, Michela Passini propose, pour la première fois en français, une histoire transnationale de l’histoire de l’art. Une somme indispensable pour comprendre les origines de notre rapport présent aux œuvres d’art.

 

Marie Gispert et Lucie Lachenal, Bibliographies de critiques d’art francophones

Pour télécharger et écouter la séance, cliquez sur le lien.

Marie Gispert, à l’origine du projet de Bibliographies de critiques d’art francophones avec Catherine Meneux, nous parlera de la réalisation du site internet hébergé par l’Université Paris 1, qui a pour objectif de mettre à disposition des chercheurs des bibliographies primaires de critiques d’art, assorties de la littérature secondaire correspondante et d’un référencement des archives disponibles. Ce site donnera notamment accès à une base de données comprenant l’ensemble des références présentes dans les bibliographies primaires des critiques d’art recensés.

Lucie Lachenal, vacataire scientifique au sein du projet, exposera le Workshop de la base, qui se tiendra le 3 février prochain, visant à les chercheurs avec la base mais aussi à l’utiliser en direct en récupérant des données et en les traitant pour constituer des objets de recherche.

Elles évoqueront également la journée d’étude sur les critiques d’art qu’elles organisent le 31 mars.

Aline Magnien et Éric Michaud, Mythes artistiques et Identités culturelles

Mercredi 14 décembre à 18h00, salle Walter Benjamin à l’INHA, STUDIO XIX accueille Aline Magnien (directrice du LRMH et ancien conservateur en chef des collections du Musée Rodin) et Éric Michaud (Directeur d’études à l’EHESS) pour une réflexion sur les mythes artistiques et les identités culturelles.

Pour télécharger et écouter la séance, cliquez sur le lien.

Cette séance résulte de la rencontre intellectuelle entre deux horizons – l’un monographique et l’autre historiographique – et deux auteurs qui ont manifesté une curiosité réciproque pour leurs travaux. Ce sont deux trajectoires de recherche qui se croisent aujourd’hui, d’un côté les études fondatrices d’Éric Michaud sur les fantasmes identitaires de l’histoire de l’art, de l’autre l’intérêt croissant d’Aline Magnien pour l’élaboration du mythe Rodin, par la référence notamment à Rembrandt, Michel-Ange ou Puget. Ces modèles esthétiques et biographiques ne sont pas neutres idéologiquement. Au contraire, ils nourrissent la légende « française » de Rodin en réveillant une géographie esthétique et anthropologique reposant sur la polarité du Nord et du Sud de l’Europe, des modèles antiques et médiévaux, des caractères latins et germains, païens et chrétiens.

A la veille de la grande rétrospective qui honorera le centenaire de la mort du sculpteur aux Galeries Nationales du Grand Palais, il s’agit donc d’analyser comment l’image en construction de Rodin et, par-delà Rodin, d’un certain « génie français », s’insère dès l’origine dans un système de représentations qui, de Louis Courajod à André Chastel, de Karl Schnaase à Heinrich Wölfflin, soumet la question esthétique à de tels a priori raciaux, identitaires ou nationaux.

Michela Passini, l’oeil et l’archive

Studio XIX et les éditions de la Découverte ont le plaisir de vous inviter à une rencontre suivie d’un débat avec Michela Passini autour de son ouvrage, L’oeil et l’archive, une histoire de l’histoire de l’art.

Pour télécharger et écouter la séance, cliquez sur le lien.

Lors de cette séance Michela Passini répondra à Pierre Wat et François-René Martin.

Dans un ouvrage, à la fois érudit et très accessible, Michela Passini offre un panorama de tout premier plan pour quiconque voudrait se familiariser avec les grandes figures et les grands concepts de la théorie visuelle, en même temps qu’une synthèse pionnière montrant comment l’histoire de l’art s’est constituée en discipline, avec ses institutions propres ses plateformes d’échanges et ses dispositifs de contrôle de la production scientifique. Avec ce livre aussi documenté qu’ambitieux, Michela Passini propose, pour la première fois en français, une histoire transnationale de l’histoire de l’art. Une somme indispensable pour comprendre les origines de notre rapport présent aux œuvres d’art.

Charles Percier (1764-1833), architecture et Design

La prochaine séance de Studio XIX se teindra le 19 Avril, en salle Benjamin à l’INHA (2 rue Vivienne, PARIS 02), à partir de 18h.

Pour télécharger et écouter la séance suivez le lien.

Cette séance de séminaire, organisée et animée par les membres de Studio XIX, est orientée autour de la thématique du dessin, de l’ornement et de l’architecture de la veille de la Révolution à la fin de l’Empire.

Philippe Bordes, professeur émérite d’histoire de l’art moderne à l’Université Lyon 2, et Jean-Philippe Garric, professeur d’histoire de l’architecture à l’Université Paris 1, tous deux spécialistes de ces périodes, interviendront en reprenant un dialogue amorcé il y a plusieurs années autour de la production et des activités de Charles Percier.

Ils échangeront à travers les différentes problématiques abordées au sein du catalogue de l’exposition « Charles Percier (1764-1833), architecture et Design » récemment inaugurée au musée du château de Fontainebleau (et qui s’est tenue au Bard Center de New-York fin 2016), orchestrée par J-Ph. Garric.

Les contributions de cet ouvrage apportent des réflexions nouvelles autour de la figure de l’architecte, du décorateur, du dessinateur, du créateur de mobilier et d’objets d’art. En premier lieu, le débat scientifique tourne autour du processus créatif de Percier, œuvrant en étroite association avec l’architecte Pierre Fontaine. Souvent assimilés l’un à l’autre, quels sont les enjeux du choix de Percier sans Fontaine ? D’avantage dessinateur et spécialiste d’ornement, son rapport aux arts graphiques, utilisés comme support ou comme forme d’art en soi, ainsi que l’abondance de sa production (décoration intérieure, ébénisterie, orfèvrerie, céramique, projets d’architectures, relevés, dessins, etc.) incite à se poser la question du rôle de l’architecte et de l’artiste à l’aube du XIXe siècle.

LES PARADOXES D’OCTAVE MIRBEAU

L’université Paris-Sorbonne organise une journée d’étude à l’occasion du centenaire de la mort d’Octave Mirbeau.

Elle se tiendra le 25 mars dans l’amphithéâtre Descartes.

Le Programme est disponible ci-dessous ou en cliquant sur le lien.

9h : Accueil des participants
Introduction, Pierre Glaudes, Université Paris-Sorbonne
9h15-12h30, sous la présidence de Pierre Michel
– Romain Enriquez, Université Paris-Sorbonne, « Le Calvaire de Mirbeau, roman halluciné ? Les paradoxes d’un réalisme psychique »
-Arnaud Vareille, Société Octave Mirbeau, « Les paradoxes de l’anecdote dans les récits d’Octave Mirbeau »
-Discussion
10h45-11h Pause
-Éric Bordas, École Normale Supérieure de Lyon, « Mirbeau, de l’insistance à la tautologie : pratiques d’une ironie non humoresque».
-Loïc Le Sayec, Université Paris-Sorbonne, « « Soigner l’ordure par l’ordure » : esthétique du dégoût dans quelques romans d’Octave Mirbeau »
-Discussion
12h30-14h15 Déjeuner

 

14h15-17h30, sous la présidence de Pierre Michel
– Jacques Dürrenmatt, Université Paris-Sorbonne, « Quand la peinture résiste ».
-Pierre Glaudes, Université Paris-Sorbonne, « Le viol de Sébastien ».
Discussion
15h45-16h Pause
-Marie-Françoise Melmoux-Montaubin, Université de Picardie-
Jules Verne, « Mirbeau et Paul Bourget ».

– Marine Le Bail, Université Toulouse-Jean Jaurès, « Octave Mirbeau, bibliophile malgré lui ? »
-Discussion
Conclusion de la journée d’étude

7e édition du Festival de l’histoire de l’art- Nature & États-Unis

Pour la 7e édition du Festival de l’histoire de l’art, qui aura lieu les vendredi 2, samedi 3 et dimanche 4 juin 2017 à Fontainebleau, vous êtes invités à nous proposer vos projets de communication sur le thème Nature. La date limite de dépôt des propositions est le 11 décembre 2016.

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Château de Fontainebleau, Boudoir de la Reine Marie-Antoinette. Dessin de l’architecte Pierre-Marie Rousseau, 1787. Photo (C) RMN-Grand Palais (Château de Fontainebleau) / Gérard Blot

Le Festival de l’histoire de l’art

Le ministère de la Culture et de la Communication, l’Institut national d’histoire de l’art et le château de Fontainebleau s’associent, avec le concours du ministère de l’Éducation nationale, de l’Enseignement supérieur et de la Recherche, pour proposer la 7e édition du Festival de l’histoire de l’art (FHA). Le Festival explore chaque année un thème – 2017 sera consacré à la Nature – et propose quatre rendez-vous : l’invitation faite à un pays, cette année les États-Unis d’Amérique, le Forum de l’actualité, Art & Caméra, la section film et vidéo, le Salon du livre et de la revue d’art. Le Festival est également l’occasion de propositions pédagogiques pour l’enseignement de l’histoire des arts à l’école, au travers d’une Université de printemps et d’ateliers pédagogiques.
Les trois journées du Festival de l’histoire de l’art (FHA), conçues comme un carrefour des publics et des savoirs, proposent à des publics très divers (amateurs, curieux, étudiants, spécialistes) des conférences, des débats, des concerts, des expositions, des projections, des lectures et des rencontres dans le château et dans plusieurs sites de la ville de Fontainebleau.
Cet appel à communication s’adresse à des chercheurs français et étrangers, de préférence francophones. Les propositions de jeunes chercheurs, conservateurs ou encore restaurateurs seront examinées avec une attention particulière. Afin de donner à tous la possibilité d’intervenir, priorité sera donnée aux candidats qui n’ont pas été au programme des précédentes éditions du Festival. Nous tenons à réunir un vaste éventail de points de vue complémentaires et d’approches différentes, pour des thématiques, des artistes et des objets relevant des époques et des techniques les plus variées.

Le thème : Nature

À l’heure où le schéma dualiste nature/culture qui a fortement marqué la modernité occidentale tend à être remis en question, le Festival de l’histoire de l’art propose d’explorer le thème de la nature dans ses aspects les plus variés, en considérant bien sûr l’importante question de la mimêsis, mais sans s’y tenir exclusivement. Cette notion de nature sera entendue dans son sens large, comme l’ensemble des êtres et des réalités qui environnent l’homme mais ne sont ni créés, ni organisés par lui. Comme telle, la nature englobe une grande partie de l’activité scientifique, investit la pensée mythico-religieuse, stimule l’imaginaire et sert de référence à l’esthétique, sans omettre la quête de fusion liée à l’animisme/Gaïa ou encore la notion de Care. À travers les médiums artistiques et les domaines de l’histoire de l’art les plus variés, sans restrictions chronologiques ou spatiales, il s’agira ainsi d’interroger la nature autant comme inépuisable pourvoyeuse de formes à imiter que comme modèle d’activité créatrice. Est-il besoin de souligner que Fontainebleau, dont la forêt enchanta les poètes du règne des Valois avant de servir de motif aux peintres de l’École de Barbizon, est un lieu propice à explorer ce thème ?

Fondement de la beauté et de la morale, victoire sur le chaos, la nature est très souvent perçue comme un grand système de signes à déchiffrer et suscite bien des herméneutiques. Glorifiée comme un ensemble parfaitement ordonné, elle peut néanmoins laisser surgir des exceptions qui confirment ou perturbent les certitudes. Tel est l’objet du premier axe thématique envisagé, La nature en ordre. On y examinera plus particulièrement comment les œuvres d’art reflètent les lois scientifiques et les lois divines dont on fait dépendre la nature ; comment les artistes figurent ses aspects capricieux ou imprévisibles ; comment, enfin, les modèles explicatifs auxquels on la soumet, en tout premier lieu le modèle naturaliste, ont fécondé les autres domaines du savoir, notamment l’histoire de l’art.

Bien sûr, la nature des artistes n’est pas celle où les hommes vivent et dont ils observent la contingence et la trivialité ; ce sera là notre deuxième axe de réflexion, centré sur La nature mise en scène. On le sait, toute une tradition a fait de l’illusion l’unique règle esthétique, au point que l’imitation des objets de la nature à pu aller jusqu’à une sorte d’ascèse, ou de ferveur patiente, comme en témoignent certaines natures mortes. Or le principe qui veut que l’art tire son excellence de son rapport à la nature a justement entraîné toutes sortes d’effets de trompe-l’œil, de dissimulation et d’illusion qui touchent parfois au suprême artifice, ce qui se vérifie dans l’art des jardins aussi bien que dans les spectacles optiques, sans parler des interventions et des appropriations opérées par des artistes contemporains, que ce soit in situ, sur un territoire privé ou au sein de leur atelier.

Le troisième axe interrogera la nature moins comme décor ou contexte tenu à distance, que comme milieu, habitat et force active dont des peintres, des graveurs, des photographes, des cinéastes et des performeurs ont montré qu’elle pouvait tour à tour être apaisante, consolatrice, généreuse, protectrice, merveilleuse, indifférente, menaçante, cruelle et terrifiante. Intitulé La nature comme environnement, il pourrait aussi être l’occasion d’étudier la manière dont les artistes ont évoqué certains espaces spécifiques qui composent pour l’homme une topologie à la fois spatiale et personnelle, de la grotte aux sommets alpins, du jardin zen au désert érémitique. Enfin, il sera question ici du devenir des objets de nature, en premier lieu ceux manipulés par les artistes, puisqu’ils s’inscrivent sur une échelle de temps qui les destine à l’usure, au dépérissement et à la disparition.

1 La nature en ordre :
-les lois de la nature (lois scientifiques/lois divines)
-la nature et le sacré
-étudier la nature
-la nature comme modèle explicatif (analogie, taxonomie, théorie de l’art sur le modèle des sciences naturelles)
-la norme, le caprice et les dérèglements (merveilles, monstres, hybrides, transmutations, métamorphoses).

2. La nature mise en scène :
-jardin (du dessein aux installations) ;
-du cabinet de curiosités au musée ;
-représenter la nature (allégorie, paysage, nature-morte, genre animalier…) ;
-Land Art, Arte Povera, Earth Art, art environnemental, art in situ
-la nature comme décor et ornement (édifices, décors intérieurs, théâtre, opéra, ballet…) ;
-spectacles optiques (de la camera obscura à l’image en mouvement)

3. La nature comme environnement :
-les lieux de nature (la forêt, la montagne, la mer, le désert, la grotte, la campagne, le jardin, …) ;
-la nature nourricière (le monde rural, l’agriculture, la vigne, les vergers, l’élevage, la chasse)
-la nature menaçante (tempêtes, avalanches, volcans, tremblements de terre, tornades, flore et faune hostiles)
-le BioArt (transformations du vivant et réalité altérée à partir des biotechnologies)
-face au périssable (préserver, conserver).

Modalités de soumission et sélection des propositions

L’examen des propositions sera confié au comité scientifique du Festival de l’histoire de l’art. Les propositions doivent s’inscrire clairement dans les axes déterminés par l’appel à communication. La sélection cherchera à mettre en exergue toutes les périodes historiques ainsi que des médiums et des situations géographiques variées.
Les projets de communication doivent impérativement être rédigés en français et se présenter sous la forme suivante : titre du projet, résumé en 400 signes, présentation d’une page maximum (3500 signes), curriculum vitae de l’intervenant avec bibliographie. Les projets de communication à plusieurs intervenants (débat, table ronde…) sont limités à quatre personnes et le porteur du projet doit être clairement désigné. Les projets doivent être déposés avant le 11 décembre sur le site internet du Festival à l’adresse suivante http://festivaldelhistoiredelart.com/proposez-intervention/.
Les projets incomplets ne seront pas soumis au comité scientifique qui rendra ses décisions à partir du mois de janvier 2017.
La liste des membres du comité scientifique et le programme de l’édition 2017 sont à retrouver ici.

Source

« Colloque international Alphonse Legros » (Dijon, 4-5 mai 2017)

 

Les 4 et 5 mai 2017, Dijon, Université de Bourgogne et Musée des Beaux-arts de Dijon, d 1er janvier 2017

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Né à Dijon en 1837, Alphonse Legros aurait fréquenté l’École des Beaux-Arts de sa ville natale avant de gagner Paris puis Londres où il s’installe en 1863. En 1876, il est nommé professeur à la Slade, où il introduit l’enseignement de la gravure et de la sculpture. Membre fondateur en 1880 de la Society of Painters-Etchers, dont l’influence sur le renouveau de la gravure et de l’art du livre illustré est notable, Legros est également un médailliste reconnu, jouant un rôle important dans le renouveau de cet art. Lorsqu’il meurt en 1911, il est un citoyen britannique auquel la Tate Gallery rendra hommage par une très grande rétrospective.

Cet artiste polyvalent a également connu le succès en France, où une exposition est organisée par Samuel Bing dans sa galerie parisienne L’Art nouveau en 1898, avant la rétrospective du Musée du Luxembourg en 1900 par Léonce Bénédite. La dernière exposition Legros s’étant tenue à Dijon en 1987, le temps est donc venu de réévaluer depuis sa ville natale, l’œuvre, l’héritage et la double réception de ce citoyen britannique, fort peu anglophile.

Organisé par le centre de recherches TIL (Université de Bourgogne, EA 4186) et le Musée des Beaux-arts de Dijon, ce colloque s’adresse aux historiens de l’art, aux spécialistes de la culture visuelle, de la critique d’art et de l’esthétique, aux commissaires, aux collectionneurs et aux enseignants d’art.

Les communications pourront porter, entre autres, sur :

  • Legros et la culture visuelle de son temps : Legros et l’Esthétisme, l’esthétique proto-moderniste et le renouveau des arts graphiques ;
  • Legros et ses arts (peinture, sculpture, gravure), l’expérimentation dans la gravure, la lithographie, le dessin, la médaille, la transmédialité ;
  • Legros en France : la « Société des Trois » ; la création de la Société des Aquafortistes ; la reconnaissance de Legros en France dans les dernières décennies du XIXe siècle ;
  • Legros et l’illustration : ses illustrations (pour les histoires d’Edgar Poe par exemple) ; et son influence sur les illustrateurs de la fin du XIXe siècle ;
  • Legros et ses pairs, les réseaux de sociabilité, les influences, et la question de la légitimation et des institutions ; Legros sur le marché de l’art en France et en Grande-Bretagne aux XIXe, XXe et XXIe siècles ; Legros dans les collections ;
  • Legros enseignant: ses expérimentations pédagogiques à la SladeSchoolofArt; son influence sur les jeunes artistes ;
  • Legros entre France et Grande-Bretagne : transferts artistiques et culturels, reconnaissance, canonisation ou oubli ?

Merci d’envoyer une proposition d’environ 300 mots et une notice bio-bibliographique avant le 1er janvier 2017 à :

Sophie Aymes : sophie.aymes@u-bourgogne.fr
Bénédicte Coste : benedicte.coste@u-bourgogne.fr
Bertrand Tillier: bertrand.tillier@univ-paris1.fr

L’acceptation sera notifiée le 15 janvier 2017.

Colloque international Alphonse Legros
Université de Bourgogne et Musée des Beaux-arts de Dijon
Dijon les 4 et 5 mai 2017

Source

 

Prix de recherche des associations dix-neuviémistes – édition 2017

Comité de Liaison des Associations Dix-neuviémistes (CL 19), jusqu’au 31 décembre 2016

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Désireux de récompenser et promouvoir les travaux de chercheurs portant sur le XIXe siècle, le Comité de Liaison des Associations Dix-neuviémistes (CL 19) a créé un prix annuel destiné à couronner une thèse de doctorat ou un mémoire de troisième cycle portant sur le XIXe siècle (1789-1914). Ce prix est décerné pour la seconde fois en 2017, dans l’esprit du CL 19, qui réunit sociétés savantes, groupes de recherche, musées, bibliothèques et institutions culturelles concernées par l’étude du XIXe siècle.

 ARTICLE 1 – Modalités d’attribution

Le Prix sera attribué tous les ans par le Président du jury du Prix de recherche des associations dix-neuviémistes, sur proposition du jury réuni pour examiner les travaux soumis. Le jury peut proposer de ne pas attribuer le Prix si aucune des thèses déposées ne lui paraît avoir les qualités requises.

ARTICLE 2  – Conditions d’attribution

Les candidats, de nationalité française ou étrangère, devront avoir soutenu avec succès, au cours des deux années précédant la date de son dépôt auprès du jury, une thèse de doctorat ou un mémoire de troisième cycle rédigé(e) en français et portant sur le XIXe siècle (1789-1914).

ARTICLE 3  – Montant

Le montant du Prix est fixé chaque année par le jury du Prix. Ce Prix est destiné à aider à la publication de la thèse et à la poursuite des travaux de recherche du lauréat. Outre le Prix de recherche, des accessits pourront être attribués à deux autres candidats au plus, afin de récompenser la qualité de leurs travaux et de favoriser par des moyens non-financiers la publication et la diffusion de leur recherche.

ARTICLE 4  – Jury

Le jury du Prix de recherche du CL 19 est présidé par M. Jérôme Farigoule, directeur du Musée de la Vie romantique. Le jury est composé, en plus du président, de douze à quinze membres issus des différentes associations représentées au sein du CL 19, sur la base du volontariat. La liste des membres du jury est publiée chaque année. Le jury se réserve le droit de faire appel à des experts indépendants pour exprimer leur avis sur les thèses proposées.

ARTICLE 5 – Modalités de candidature

Les candidats au Prix de recherche doivent fournir, en format .pdf exclusivement, la thèse de doctorat ou le mémoire de troisième cycle soumis au jury, la copie d’une pièce d’identité, une attestation de l’obtention du diplôme de troisième cycle, le rapport de soutenance et un C.V. sans liste de publications : ce dossier sera adressé par mail à l’adresse suivante : bureaudeliaisonxix@gmail.com avant le 31 décembre 2016.

NB : pour l’édition 2017, on acceptera les travaux soutenus entre le 1er janvier 2015 et le 31 décembre 2016. 

Les candidats qui n’auraient pas reçu leur rapport de soutenance à la date de clôture de l’appel pourront compléter leur dossier de candidature en l’adressant par courriel dans les premiers jours de janvier, en mentionnant dans le mail de candidature que la pièce sera envoyée plus tard.

Le Prix récompense un travail de troisième cycle (thèse ou doctorat) : les travaux de Master ne sont pas admis à concourir.

Source

« Littérature et arts au XIXe siècle : questions de genre », Revue Romantisme (2018)

Revue Romantisme, jusqu’au 15 janvier 2017

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Romantisme a déjà abordé à plusieurs reprises et de diverses façons la question de la place des femmes dans l’histoire littéraire et artistique du XIXe siècle, et plus largement dans son histoire culturelle : tout d’abord, en envisageant les femmes comme des objets de représentation toujours prêts à être subsumés sous l’espèce générique « la femme » (avec les dossiers « Voix de femmes » en 1971, « Mythes et représentations de la femme » en 1976 et « Femmes écrites » en 1989) ; par la suite, en écoutant davantage le discours porté par les femmes elles-mêmes (avec les dossiers « Les femmes et le bonheur d’écrire » en 1992, « Pouvoirs, puissances : qu’en pensent les femmes ? » en 1994, « Savoirs de jeunes filles » en 2014). La question des sexualités a été abordée dans les numéros « Sodome et Gomorrhe » en 2013 et « La pornographie » en 2015. La revue souhaite aujourd’hui réunir des études qui s’inscrivent dans une perspective de genre : plutôt que de traiter des femmes, il s’agit d’interroger la différence des sexes comme une construction sociale et culturelle résultant d’un processus complexe qui assigne les individus à des rôles complémentaires et hiérarchisés. On souhaite, dans cette perspective, penser la singularité éventuelle du XIXe siècle comme période et comme objet d’étude.

En tant que période, le XIXe siècle peut être vu comme le moment où l’on prétend fonder en nature, avec la force persuasive accordée à l’évidence, un nouvel ordre du rapport entre les sexes qui s’impose autant à la gouverne du présent qu’à la relecture du passé. On a pu avancer que le dernier tiers du XVIIIe siècle a vu l’émergence d’un « modèle à deux sexes » (Thomas Laqueur), favorisant l’élaboration d’une « démocratie exclusive » (Geneviève Fraisse). Cette démocratie, pour établir l’égalité entre les hommes, exclut sans le dire les femmes de l’espace public et des affaires de la cité en les assignant à la sphère privée. Il faut s’interroger sur les conséquences d’une telle exclusion dans le champ de la littérature et des arts qui relèvent aussi de l’espace public et qui peuvent constituer un moyen pour les femmes d’accéder à celui-ci. Dans un contexte de redéfinition simultanée de la littérature dans ses limites, ses fonctions et ses hiérarchies, et des rôles et modèles sexués, surgissent des discours qui cherchent avec une vigueur renouvelée à interdire l’exercice de la littérature et des arts aux femmes, ou du moins à l’encadrer strictement, en limitant les pratiques d’écriture et les genres qui leur sont permis, les sujets qui leur sont autorisés, ou encore les supports et les lieux d’édition accessibles pour elles.

En tant qu’objet d’étude, le XIXe siècle a souvent été vu à travers les normes et les catégories qu’il avait lui-même produites ; la critique, l’école, l’université et l’édition les ont le plus souvent reconduites comme des évidences. Sans doute une grande importance a-t-elle été accordée aux représentations des femmes et aux femmes comme thème, mais il ne semble pas que le genre se soit imposé dans la tradition française comme une grille d’analyse invitant à considérer la relation entre deux termes (femmes/hommes, masculin/féminin), à dissocier le masculin de l’universel, à contester l’imposition morale et la naturalisation de la norme hétérosexuelle. On n’a guère cherché non plus, du moins jusqu’à très récemment, à comprendre ni à remettre en cause l’extrême minoration des femmes créatrices dans le canon. On est donc loin d’une redéfinition des paradigmes disciplinaires et d’un renouvellement des perspectives que Joan Scott en 1986 appelait de ses vœux, dont on mesure les effets lorsque, par exemple, les historiens cessent de parler du suffrage universel pour désigner le seul suffrage masculin.
On souhaite adresser ces questions à l’ensemble de la production littéraire, intellectuelle et artistique du XIXe siècle, sans les couper des enjeux philosophiques, politiques et sociaux.

Parmi les sujets qu’on aimerait voir abordés, nommons, sans exclusive :

la fabrique des normes, ou la représentation des rôles sexués : on peut voir la littérature et les arts comme des lieux de diffusion de normes préétablies, ou de mise en cause, d’inflexion et d’invention de nouveaux modèles, plus ou moins perméables, par exemple, au discours médical et aux travaux des aliénistes qui prétendent intervenir dans la définition du féminin. La redéfinition des rôles et comportements féminins s’accompagne de nouvelles prescriptions quant aux rôles et comportements masculins.

le discours esthétique et les notions de création, de génie, d’imitation : l’histoire de la littérature et des arts de ce siècle, longtemps occupée à célébrer de « grands écrivains » et de « grands artistes » entendus comme des « grands hommes », met-elle en place des mécanismes repérables de relégation des « grandes » écrivaines et artistes ? La sacralisation des arts et de la littérature est-elle un moyen de placer ceux-ci en dehors du débat sur les sexes ? Le discours sur le genre croise-t-il celui qui oppose l’originalité à l’imitation ? Intervient-il dans l’élaboration d’un discours sur le style ?

la question du canon : la constitution d’un patrimoine et d’une culture nationale fait-elle place aux œuvres de femmes ? L’identification par l’histoire littéraire de périodes et d’écoles, comme unités d’ordonnancement de son récit, a-t-elle contribué à l’imposition d’une vision genrée défavorable aux femmes créatrices ?

le genre des genres : les discours sur les genres (littéraires et artistiques) sont-ils, ou non, porteurs au XIXe siècle de contenus sexués et d’un ordre social de genre ? S’ils le sont, cela s’opère-t-il à travers la présentation des auteurs ? la valorisation des modèles ? la définition et la représentation des lecteurs / lectrices de l’un ou de l’autre sexe ? dans les hiérarchies entres genres majeurs et mineurs ?
la réception, ou prise en compte de la diversité des publics : la démocratisation de la lecture conduit-elle à faire évoluer les discours sur le public en différenciant entre lecteurs et lectrices ? quelles stratégies, de publication et d’appropriation, commandent les normes de genre, et leur contestation ?

la dimension nationale : y a-t-il une singularité française dans ce domaine ? La question peut s’envisager aussi bien concernant le XIXe siècle comme période (tradition politique, langue, production littéraire et artistique) que comme objet d’étude (protocoles de lecture et d’analyse). Qu’en est-il, par exemple, de la sollicitation dans le discours critique français contemporain de catégories répandues dans la recherche menée dans d’autres pays, comme celles d’agentivité, empowerment, intersectionnalité ?

Les propositions d’article (avec titre et résumé d’une page maximum, ainsi qu’une courte présentation bio-bibliographique) sont à envoyer à Christine Planté (Christine.Plante@univ-lyon2.fr) et à Damien Zanone (damien.zanone@uclouvain.be) avant le 15 janvier 2017. Les articles, d’une longueur maximale de 30000 signes (espaces compris) seront à envoyer avant le 15 septembre 2017.

 

Romantisme – numéro 2018-1
http://etudes-romantiques.ish-lyon.cnrs.fr/

Source

« Art et pouvoir, le pouvoir de l’art » (Paris, 9-10 novembre 2016)

Le séminaire annuel de l’EA 7347 aura lieu les mercredi 9 et jeudi 10 novembre 2016, à INHA (2 rue Vivienne, 75002 Paris), salle Vasari (1er étage). Le thème en sera : « Art et pouvoir, le pouvoir de l’art ».

Le XIXe siècle est mis à l’honneur le mercredi 9 dans l’après-midi.

 

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Programme en pdf

Mercredi 9 novembre 2016
INHA, salle Vasari
La commande publique

14.00
Sabine Frommel et Jean-Michel Leniaud
Introduction

14h30
Valentina Burgassi (EPHE/Politecnico di Torino)
Architecture et pouvoir dans l’Ordre de Saint-Jean de Jérusalem (1530-1798).

15h15
Adela Klinerova (EPHE/Université Charles de Prague)
Concours d’architecture du point de vue de César Daly : Des concours pour les monuments publics dans le passé, le présent et l’avenir

16h00
Pause café

16h30
Manuel Le Corre (EPHE)
Un exemple des relations entre art et pouvoir : les statues d’Abraham Dusquesne dans la France du XIXe siècle.

17h15
Emmanuel de Waresquiel (EPHE)
Un exemple de commande publique par souscription sous la Restauration : la statue équestre d’Henri IV et son inauguration à Paris en 1818.

18h.00
Nicolas Trotin (EPHE)
Construction, reconstruction et restauration dans un département rural à l’époque concordaire. L’exemple de l’Eure (1835-1914).


Jeudi 10 novembre 2016
INHA, salle Vasari
La commande publique

9h30
Florence Descamps (EPHE)
Le concours d’architecture de Bercy, un choix présidentiel ou un projet Finances ?

10h15
Arlette Auduc (EPHE)
Paul Léon, directeur des Beaux-arts dans l’entre-deux-guerre. La commande comme outil de politique publique.

11h
Pause café

Quand le pouvoir commande à l’art, et l’art au pouvoir

11h30
Kristina Deutsch (Westfälische Wilhelms Universität Münster)
Entre le jour et la nuit : Le décor des bains dans les châteaux des Wittelsbach.

12h15
Dominique Lauvernier (EPHE/università de Caen)
L’implication de l’Administration royale des Menus Plaisirs auprès des Comédiens Français au XVIIIe siècle: esquisse d’un cadre de recherche d’après les archives.

13h00
Déjeuner

14h30
Eva Renzulli (EPHE)
Échanges sur la préservation des biens culturels : André Chastel et Carlo Ludovico Ragghianti

15.h15
Jean-Philippe Dumas (Ministère des Affaires Étrangères) :
L’usage de la photographie comme instrument de propagande par le ministre Aristide Briand, «le pèlerin de la paix» dans les années 1920.

16h
Pause café

16h30
Marie-Charlotte Noulens (EPHE)
Le photographe de guerre peut-il avoir une démarche artistique ? Dans ce contexte, n’y a-t-il pas un risque d’interprétation de l’information ? Exemple de la Pietà du Kosovo.

17h15
Martin Motte (EPHE)
Autour de l’amitié entre Foch et Gustave Doré.

18h00
Jean-François Belhoste (EPHE):
Géricault et Napoléon: le Chasseur à cheval du salon de 1812.

18.45
Sabine Frommel
Conclusion

Source : http://blog.apahau.org/seminaire-art-et-pouvoir-le-pouvoir-de-lart-paris-9-10-novembre-2016/

Les images vivent aussi : trajectoires biographiques des images

Revue « Images re-vues », avant le 15 janvier 2017

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En 1953, Chris Marker et Alain Resnais ont montré que les statues avaient une histoire dans Les statues meurent aussi. Les recherches récentes, en histoire, en anthropologie ou en histoire de l’art, accordent une place grandissante à une approche biographique des choses (Kopytoff 1986), mais aussi plus spécifiquement à celle des images, à leur trajectoire dans les cultures dans lesquelles elles évoluent. Ce numéro d’Images re-vues, revue pluridisciplinaire et transversale, est dévolu aux destins des images, qui en changeant de contexte, de temps, de lieu, connaissent des changements d’usage, des re-sémantisations, des transformations de toute nature et réinterrogent ainsi le regard porté par ces objets issus de la culture matérielle.

Changements de supports d’abord. La réutilisation d’une image implique souvent l’usage d’un autre support. Quel sens acquiert cette image lorsqu’elle passe d’un support à un autre, lorsqu’elle est manipulée et investie d’un autre imaginaire, en dehors du lieu de sa production et loin de ses usages initiaux ? Les antiquités gréco-romaines découvertes au cours de l’époque moderne sont par exemple méthodiquement dessinées puis gravées dans des « musées de papier » destinés à leur analyse et leur conservation par des savants, invitant ainsi à d’autres usages. De même, Roger Chartier a montré dans ses travaux sur les sept vies du texte de Bartolomé de Las Casas que la migration et la réédition des textes et des frontispices signifient bien souvent une modification du sens porté à leur contenu initial.

Changements de temps, de lieu et de contexte ensuite. Vincent Azoulay dans Les tyrannicides d’Athènes Vie et mort de deux statues a dévoilé tout l’intérêt d’une approche diachronique en analysant les discours et les images mettant en scènes les statues des tyrannoctones Harmodios et Aristogiton, de leur création au Ve siècle à Athènes jusqu’à leurs usages politiques au XXe siècle. Il a souligné l’importance d’appréhender ces reconfigurations à l’aune des contextes sociaux, politiques et artistiques qui les ont élaborées. De son côté, Marilyn Strathern propose de voir les artefacts comme des enactement of events, as memorials of and celebrations to past and future contributions (Stathern, 1990), irréductibles à des explications verbales qui les décoderaient, les systématiseraient et en expliqueraient définitivement le sens. Cette approche renouvelle ainsi l’appréhension à la fois des objets, mais aussi des événements, des performances et des relations telle qu’elle est traditionnellement traitée par les historiens, les anthropologues et les muséologues.

Changement de statut enfin. Comme la célèbre laitière de Vermeer, d’autres images, moins connues lors de leur création, ont pu connaître un succès des siècles plus tard. La découverte de l’art africain par les cubistes ou encore la fortune de la désormais fameuse Vénus de Milo, maintes fois reproduite à des fins commerciales, sont à ce propos éloquentes.

Les catégorisations avec lesquelles les images sont étudiées – préhistoriques, antiques, médiévales, baroques, chinoises, sacrées, profanes, planes ou tridimensionnelles – apparaissent ainsi réductrices, voire erronées si on ne les considère pas sur la longue durée. L’étude de certains « cas d’école » pose donc le problème de la construction des catégories d’analyse, voire la nécessité de leur réagencement. Ainsi les images « marchent », les objets sont en « mouvement » (Joyce & Gillepsie 2015) : ils évoluent en fonction de leur contexte d’usage, d’utilisation, voire d’énonciation et de (re)formulation. Cette attention à la vie des images permet d’historiciser, de contextualiser, de déplacer des frontières traditionnellement associées aux productions matérielles et invite à porter un autre regard sur les contextes successifs dans lesquels elles apparaissent.

Les articles pourront porter sur des aires géographiques et des époques diverses, conformément aux axes d’Images re-vues (http://imagesrevues.revues.org/)

Les propositions d’articles seront étudiées à condition de comporter entre 10 000 et 12 000 signes (espaces compris) et d’être envoyées avant le 15 janvier 2017

 Les articles (55 000 signes max., espaces compris) devront être envoyés avant le 15 avril 2017 à elise-lehoux@orange.fr et bgaillemin@gmail.com, accompagnés d’un résumé en français et en anglais (10/15 lignes) et de 3 à 5 mots-clés en français et en anglais.

Bibliographie indicative

  • Azoulay Vincent, Les tyrannicides d’Athènes. Vie et mort d’une statue, Paris, Seuil, 2014.
  • Bonnot Thierry, La vie des objets : d’ustensiles banals à objets de collection, Paris, Édition de la Maison des sciences de l’homme, 2002.
  • Bonnot Thierry, L’attachement aux choses, Paris, CNRS éditions, 2014.
  • Careri Giovanni, Lissarrague François, Schmitt Jean-Claude et Severi Carlo (eds.), Traditions et temporalités des images, Paris, Édition de l’École des Hautes Etudes en Sciences Sociales, 2009.
  • Hölscher Tonio, La vie des images grecques : sociétés de statues, rôles des artistes et notions esthétiques dans l’art grec ancien [cycle de 5 conférences données en juin 2015 au Musée du Louvre], Paris, Hazan, 2015.
  • Joyce Rosemary A. et Gillepsie Susan D. (eds), Things in Motion. Object Itineraries in Anthropological Practice, School for Advanced Research Press, Santa Fe, 2015.
  • Kopytoff Igor, « The Cultural Biography of Things : commoditization as process », dans Arjun Appadurai, The Social Life of Things, CUP, 1986.
  • Strathern Marilyn, « Artifacts of history. Events and the interpretation of images », dans Strathern Marilyn, Learning to see in Melanesia. Masterclass Series 2, Manchester, Hau Society for Ethnographic Theory, p. 157-178 (http://haubooks.org/viewbook/masterclass2/appendix1.pdf)

 

Appel à contribution Trajectoires biographiques des images Images re-vues.pdf

URLS de référence : Images re-vues

Changer le monde : les expérimentations urbaines au Royaume-Uni (XIXe-XXIe siècle)

Université Paris 3 – Sorbonne nouvelle Paris, France (75005), pour le jeudi 15 décembre 2016

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Le Royaume-Uni offre depuis longtemps un terreau fertile pour les utopies et expérimentations urbaines. De Utopia de Thomas More en 1516 aux New Towns des années 1950 et 1960 en passant par News from Nowhere de William Morris en 1890, la société britannique a fourni l’inspiration à nombre de visionnaires critiques de la société contemporaine afin de formuler des projets sociétaux autres.  Au 19è siècle, certains de ces pionniers ont tenté de mettre en œuvre leur vision dans un contexte marqué par l’urbanisation anarchique et l’industrialisation à marche forcée du pays. La société britannique leur offrait en effet non seulement un repoussoir mais aussi les outils nécessaires (capitaux, nouvelles technologies, organisation politique etc.) pour donner corps à leurs rêves urbains. C’est ainsi que sont nés d’abord des villages modèles bâtis par des industriels aux motivations ambiguës parfois, tels que New Lanark, Bournville, Port Sunlight ou Saltaire. Le 20è siècle fut quant à lui dominé par l’expérimentation des villes nouvelles, d’abord construites par un visionnaire isolé afin d’apporter une réponse aux maux urbains (Ebenezer Howard), puis pour le compte de l’Etat dans un contexte de reconstruction nationale. Au 21è, les gouvernements Blair mirent l’accent sur la renaissance urbaine (Urban Renaissance), tandis que Gordon Brown plaça sa politique de la ville sous le signe de l’écologie (Ecotowns). Par la suite, afin de répondre à la pénurie de logements, l’agenda local du gouvernement de coalition, puis conservateur, mit au goût du jour un nouvel avatar des villes nouvelles, les Locally-led garden cities.

À ces expérimentations dans le domaine de l’urbanisme sont venues s’ajouter diverses expérimentations sociales en milieu urbain motivées par le rejet du capitalisme, la volonté de lui faire pièce ou d’atténuer ses conséquences. C’est ainsi qu’au 19è siècle, les premiers socialistes, Owénistes et Chartistes en particulier, avaient tenté de redéfinir les espaces urbains à l’aide de magasins coopératifs et de modes de sociabilité collectifs, bien souvent pour se préparer à la vie au sein de communautés alternatives établies à la campagne comme en ville. Au 20e siècle, dans les années 1960, sous l’influence des Etats-Unis et dans un contexte de contestation du système social et économique dominant, des expériences de participation citoyenne virent le jour au niveau local, avec l’appui de certaines municipalités, afin de donner aux résidents une voix dans l’aménagement de leur quartier (community planning). Après la «redécouverte de la pauvreté» au Royaume-Uni au milieu des années 1960, les gouvernements Wilson mirent sur pied des Community Development Projects puis dans les années 1970 des Comprehensive Community Programmes afin de lutter contre la pauvreté en encourageant résidents et collectivités locales à collaborer. Si les années Thatcher ne furent guère propices à la décentralisation, aux transferts de moyens financiers et pouvoirs politiques, paradoxalement, elles suscitèrent nombre d’expérimentations dans les municipalités tenues par le parti travailliste, voire par l’extrême gauche (Greater London Council) en réaction aux politiques nationales. De même, les années New Labour (1997-2010) furent marquées par de multiples initiatives pilotées par les collectivités locales mais financées par l’Etat dans le cadre des programmes New Deal for Communities et du National Strategy Action Plan pour lutter contre l’exclusion sociale.  Depuis 2010, les gouvernements au pouvoir sont unis dans leur défense du localisme, à savoir l’expérimentation de solutions locales aux problèmes locaux, avec l’aide financière du gouvernement.

Cette journée d’étude consacrée aux expérimentations urbaines au Royaume-Uni s’intéressera donc aux projets mis en œuvre en milieu urbain depuis le XIXe siècle pour transformer celui-ci et parfois, au-delà, la société britannique dans son ensemble.

Les communications pourront se pencher sur l’aspect urbanistique ou social de ces expérimentations, leur origine, leur influence sur la société plus généralement, les relations entre le niveau macro national et le niveau meso local, voire les organisations et acteurs derrière ces expérimentations.

Un résumé de 700 mots maximum ainsi qu’une courte bio-bibliographie doivent être envoyés aux deux organisateurs et responsables scientifiques avant le 15 décembre 2017.

Les propositions retenues seront annoncées en janvier 2017.

La journée d’étude aura lieu le 9 juin 2017.

Bibliographie

  • Department of the Environment. Policy for the Inner Cities. Cmnd. 6845. London: HMSO, 1977.
  • Department for Communities and Local Government. Locally-led Garden Villages, Towns and Cities. London: HMSO, 2016.
  • Fishman, Robert. Urban Utopias in the Twentieth Century. Cambridge, Mass.: The MIT Press, 1982.
  • Howard, Ebenezer. Tomorrow: A Peaceful Path to Real Reform. London: Swan Sonnenschein, 1898.
  • Marcuse, Peter (ed.) et alii. Searching for the Just City. Oxford: Routledge, 2009.
  • Moret, Frédéric. Les socialistes et la ville. Grande-Bretagne, France 1820-1850. Lyon: ENS Éditions, 1999.
  • Social Exclusion Unit. Bringing Britain Together: A National Strategy for Neighbourhood Renewal. Cd 4045. London: Cabinet Office, 1998.
  • Social Exclusion Unit. A New Commitment to Neighbourhood Renewal, National Strategy Action Plan. London: Cabinet Office 2001.
  • Urban Task Force. Towards an Urban Renaissance: Final Report of the Urban Task Force. London: Spon, 1999.

Responsables scientifiques

  • David Fée, Professeur des Universités en Civilisation britannique, Université Paris 3 – Sorbonne nouvelle : david.fee@univ-paris3.fr
  • Ophélie Siméon, Maître de conférences en Civilisation britannique, Université Paris 3 – Sorbonne nouvelle : ophelie.simeon@univ-paris3.fr

 

Contacts

  • David Fée
    courriel : david.fee@univ-paris3.fr
  • Ophélie Siméon
    courriel : ophelie.simeon@univ-paris3.fr

Source: http://calenda.org/381388

Oscar Wilde, l’impertinent absolu 28 septembre 2016- 15 janvier 2017

Les membres de Studio XIX ont eu la chance de découvrir l’exposition « Oscar Wilde, l’impertinent absolu » en présence de son commissaire Dominique Morel. L’affichage chrono-thématique est à voir au musée du Petit Palais jusqu’au 15 janvier 2017. Pour télécharger notre compte-rendu, cliquer ici.

L’exposition s’ouvre sur un clin d’œil visuel évoquant deux anecdotes liées à l’auteur irlandais. En effet, le scénographe, Philippe Pumain a décidé d’accueillir les visiteurs avec un pan de mur recouvert d’un papier peint blanc orné de motifs de lys bleus rappelant la porcelaine de chine collectionnée par Wilde. Ce dernier aurait même confié qu’il lui était de plus en plus dur d’être à la hauteur de sa collection. Mais cette ouverture évoque aussi les derniers instants du dandy, puisqu’il semble qu’il ait déclaré dans sa chambre d’hôtel à la décoration curieuse « Ou c’est ce papier peint qui disparaît, ou c’est moi. ».

wilde1            La première salle de l’exposition est consacrée aux années de formations d’Oscar Wilde, ainsi, elle s’agrémente de différents portraits de sa famille, et notamment d’un dessin de Florence Lacombe, son amour de jeunesse, réalisé par l’auteur lui-même. Cette salle est également l’occasion de présenter les aspirations artistiques de Wilde, la cimaise centrale nous dévoile le Saint Sébastien de Guido Reni devant lequel l’auteur tombe en extase lors de son voyage en Italie en 1877. Ce tableau bâti son idéal de beauté qu’il parachève plus tard avec sa contemplation de la Vénus de Milo.

Oscar Wilde étudie les lettres classiques et l’histoire de l’art auprès de Walter Parter et John Ruskin, aussi après ses voyages de formation, il s’aventure à la critique d’art. En 1877 il publie un compte rendu de l’exposition inaugurale de la Grosvenor Gallery. Le critique semble avoir une préférence pour la peinture d’histoire et notamment celle à sujet mythologique. L’exposition fait ainsi une place d’honneur à l’œuvre Electre sur la tombe d’Agamemnon de William Blake Richmond (1874).

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La scénographie des trois salles consacrées au travail de critique de Wilde présente des cimaises pourpres replongeant les visiteurs dans les murs de la Grosvenor Gallery telle que William Powell Frith l’a peinte (A Private View, 1883). Aux œuvres exposées sont adjointes les exégèses de Wilde. Si la peinture Préraphaélite y tient une large place, l’absence de certains contemporains du critique Wilde s’explique par la défiance de l’auteur vis-à-vis d’une esthétique particulière et notamment celle de James Whistler. A l’image de son professeur John Ruskin, Oscar Wilde fait part de sa réserve quant aux œuvres de Whistler. L’exposition révèle plusieurs documents retraçant le célèbre procès opposant le peintre à Ruskin. Nous pouvons également redécouvrir dans ces salles des œuvres de peintres français. Wilde découvre ainsi Alphonse Legros qui expose à Londres alors qu’il est en exil à cause de la Commune. Il est alors conquis par la touche de l’artiste français et son rendu du cuivre (Le Rétameur de campagne, 1874).

En 1882, Oscar Wilde part en Amérique pour donner une série wilde3de conférences. Pendant un an il sillonne le territoire afin d’exposer sa vision du Beau et des arts-décoratifs. Il s’adresse alors à un public varié (des Mormons aux Sioux) mais c’est surtout cette occasion qu’il va construire son image de dandy et d’esthète. Le photographe Napoléon Sarony tire plus d’une vingtaine de portraits mettant en scène l’écrivain. Wilde acquiert alors une véritable identité graphique, si bien que son image reprise et détournée. Dans cette salle de l’exposition les photographies de Sarony font face aux caricatures des journaux et des publicistes qui utilisent les diverses représentations de Wilde. L’auteur revient de son voyage américain suffisamment riche pour passer trois mois à Paris.

wilde4            Dans la capitale française Oscar Wilde se lie d’amitié avec une bonne partie de la scène littéraire et artistique, ainsi il apparait dans le tableau de Toulouse-Lautrec, La Danse mauresque (1895) au côté de Félix Fénéon. Pour attester de ses liens avec les écrivains français l’exposition du Petit Palais nous dévoile une partie de la correspondance de Wilde avec Stéphane de Mallarmé, Jacques Emile Blanche ou encore Emile de Goncourt. Une édition du roman A Rebours de Joris-Karl Huysmans (1884) à la couverture jaune est également exposée faisant ainsi le lien entre Paris et Londres dans les références artistiques de Wilde. En effet, l’auteur irlandais fait mention du livre et notamment du personnage de Des Esseintes dans Le Portrait de Dorian Gray.[1]  Après son séjour à Paris, Oscar Wilde retourne en Angleterre et y épouse Constance Lloyd en 1884. Cette même année le peintre Harper Pennington réalise le portrait de l’écrivain. Cette œuvre est visible pour la première fois en France à l’occasion de l’exposition du Petit Palais.

Le succès de son seul roman Le Portrait de Dorian Gray publié en 1890 en entraîne d’autres, ainsi L’Éventail  de  lady  Windermere  (1892), Une  femme sans  importance (1893), Un mari idéal (1895) et L’Importance d’être constant (1895) enrichissent la bibliographie du dramaturge en faisant oublier l’échec de sa pièce de théâtre Véra ou les Nihilistes (1883). C’est également juste après la publication de son roman, que Wilde s’essaie au français et à la tragédie en publiant, Salomé (1893). L’auteur veut se faire l’essai d’un nouvel instrument et demande à Carlos Schwabe et Pierre Louÿs de le relire. Si la pièce est interdite à Londres puisqu’elle met en scène un récit biblique, elle connait un certain succès à Paris en 1896 grâce à une adaptation de Lugné-Poe. En revanche c’est en Angleterre en 1894 que l’éditeur John Lane publie le texte accompagné des célèbres illustrations d’Aubrey Beardsley. Ce dernier n’oublie d’ailleurs pas l’auteur de la pièce en lui donnant une place toute particulière dans ses illustrations, ainsi la figure iconique de Wilde se retrouve dans la lune de la planche La femme dans la lune. Une salle entière est consacrée à Salomé, et un exemplaire de l’édition de Lane dédicacé à Beardsley s’y trouve, Wilde y écrit « Pour Aubrey, pour le seul artiste qui, à part moi, sait ce que représente la danse des sept voiles et sait voir cette danse invisible ».  Nous pouvons également y voir de nombreuses œuvres dépeignant la femme fatale (Gustave Moreau, Armand Point).

L’ultime salle de l’exposition s’attarde sur les dernières annéeswilde5 de l’écrivain et notamment sur son procès pour homosexualité. Le père de son amant le marquis de Queensberry dépose au club Albermarle une carte de visite injurieuse, Wilde porte plainte mais le procès qui s’en suit le condamne le 25 mai 1895 à deux ans de travaux forcés. De nombreux documents en rapport avec le procès sont produits, ainsi nous pouvons observer la carte à l’origine du scandale, des témoignages produits lors du procès mais aussi une publicité pour la ventes des biens de Wilde. En prison, depuis sa cellule, la C.3.3 il écrit une lettre à son amant Lord Alfred Douglas, c’est le De Profundis. Oscar Wilde est libéré le 19 mai 1897, et voyage en France, quelques photographies nous permettent de voir les dernières années de l’écrivain. Il écrit sa dernière œuvre, un poème la Ballade de la Geôle de Reading en 1898 avant de mourir à Paris le 30 novembre 1900. Il est enterré au cimetière de Bagneux avant d’être transférer au Père Lachaise. Les croquis pour son tombeau, réalisé par Jacob Epstein, sont exposés ainsi qu’une photographie de l’œuvre finale.

Une dernière citation accompagne le visiteur, « Nous sommes tous dans la boue mais certains d’entre nous regardent les étoiles. ». L’exposition du Petit Palais retrace la vie d’Oscar Wilde, elle éclaire les différentes aspirations artistiques de l’écrivain irlandais. Au grès de ses bons mots le visiteur découvre ou redécouvre les œuvres d’un des esthètes les plus emblématiques du XIXe siècle.

[1] « C’était un roman sans intrigue, avec un seul personnage, la simple étude psychologique d’un jeune Parisien qui occupait sa vie en essayant de réaliser, au dix-neuvième siècle, toutes les passions et les modes de penser des autres siècles, et de résumer en lui les états d’esprit par lequel le monde avait passé, aimant pour leur simple artificialité ces renonciations que les hommes avaient follement appelées Vertus, aussi bien que ces révoltes naturelles que les hommes sages appellent encore Pêchés. Le style en était curieusement ciselé, vivant et obscur tout à la fois, plein d’argot et d’archaïsmes, d’expressions techniques et de phrases travaillées, comme celui qui caractérise les ouvrages de ces fins artistes de l’école française : les Symbolistes. »