Archives de catégorie : Appel à publication

« Littérature et arts au XIXe siècle : questions de genre », Revue Romantisme (2018)

Revue Romantisme, jusqu’au 15 janvier 2017

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Romantisme a déjà abordé à plusieurs reprises et de diverses façons la question de la place des femmes dans l’histoire littéraire et artistique du XIXe siècle, et plus largement dans son histoire culturelle : tout d’abord, en envisageant les femmes comme des objets de représentation toujours prêts à être subsumés sous l’espèce générique « la femme » (avec les dossiers « Voix de femmes » en 1971, « Mythes et représentations de la femme » en 1976 et « Femmes écrites » en 1989) ; par la suite, en écoutant davantage le discours porté par les femmes elles-mêmes (avec les dossiers « Les femmes et le bonheur d’écrire » en 1992, « Pouvoirs, puissances : qu’en pensent les femmes ? » en 1994, « Savoirs de jeunes filles » en 2014). La question des sexualités a été abordée dans les numéros « Sodome et Gomorrhe » en 2013 et « La pornographie » en 2015. La revue souhaite aujourd’hui réunir des études qui s’inscrivent dans une perspective de genre : plutôt que de traiter des femmes, il s’agit d’interroger la différence des sexes comme une construction sociale et culturelle résultant d’un processus complexe qui assigne les individus à des rôles complémentaires et hiérarchisés. On souhaite, dans cette perspective, penser la singularité éventuelle du XIXe siècle comme période et comme objet d’étude.

En tant que période, le XIXe siècle peut être vu comme le moment où l’on prétend fonder en nature, avec la force persuasive accordée à l’évidence, un nouvel ordre du rapport entre les sexes qui s’impose autant à la gouverne du présent qu’à la relecture du passé. On a pu avancer que le dernier tiers du XVIIIe siècle a vu l’émergence d’un « modèle à deux sexes » (Thomas Laqueur), favorisant l’élaboration d’une « démocratie exclusive » (Geneviève Fraisse). Cette démocratie, pour établir l’égalité entre les hommes, exclut sans le dire les femmes de l’espace public et des affaires de la cité en les assignant à la sphère privée. Il faut s’interroger sur les conséquences d’une telle exclusion dans le champ de la littérature et des arts qui relèvent aussi de l’espace public et qui peuvent constituer un moyen pour les femmes d’accéder à celui-ci. Dans un contexte de redéfinition simultanée de la littérature dans ses limites, ses fonctions et ses hiérarchies, et des rôles et modèles sexués, surgissent des discours qui cherchent avec une vigueur renouvelée à interdire l’exercice de la littérature et des arts aux femmes, ou du moins à l’encadrer strictement, en limitant les pratiques d’écriture et les genres qui leur sont permis, les sujets qui leur sont autorisés, ou encore les supports et les lieux d’édition accessibles pour elles.

En tant qu’objet d’étude, le XIXe siècle a souvent été vu à travers les normes et les catégories qu’il avait lui-même produites ; la critique, l’école, l’université et l’édition les ont le plus souvent reconduites comme des évidences. Sans doute une grande importance a-t-elle été accordée aux représentations des femmes et aux femmes comme thème, mais il ne semble pas que le genre se soit imposé dans la tradition française comme une grille d’analyse invitant à considérer la relation entre deux termes (femmes/hommes, masculin/féminin), à dissocier le masculin de l’universel, à contester l’imposition morale et la naturalisation de la norme hétérosexuelle. On n’a guère cherché non plus, du moins jusqu’à très récemment, à comprendre ni à remettre en cause l’extrême minoration des femmes créatrices dans le canon. On est donc loin d’une redéfinition des paradigmes disciplinaires et d’un renouvellement des perspectives que Joan Scott en 1986 appelait de ses vœux, dont on mesure les effets lorsque, par exemple, les historiens cessent de parler du suffrage universel pour désigner le seul suffrage masculin.
On souhaite adresser ces questions à l’ensemble de la production littéraire, intellectuelle et artistique du XIXe siècle, sans les couper des enjeux philosophiques, politiques et sociaux.

Parmi les sujets qu’on aimerait voir abordés, nommons, sans exclusive :

la fabrique des normes, ou la représentation des rôles sexués : on peut voir la littérature et les arts comme des lieux de diffusion de normes préétablies, ou de mise en cause, d’inflexion et d’invention de nouveaux modèles, plus ou moins perméables, par exemple, au discours médical et aux travaux des aliénistes qui prétendent intervenir dans la définition du féminin. La redéfinition des rôles et comportements féminins s’accompagne de nouvelles prescriptions quant aux rôles et comportements masculins.

le discours esthétique et les notions de création, de génie, d’imitation : l’histoire de la littérature et des arts de ce siècle, longtemps occupée à célébrer de « grands écrivains » et de « grands artistes » entendus comme des « grands hommes », met-elle en place des mécanismes repérables de relégation des « grandes » écrivaines et artistes ? La sacralisation des arts et de la littérature est-elle un moyen de placer ceux-ci en dehors du débat sur les sexes ? Le discours sur le genre croise-t-il celui qui oppose l’originalité à l’imitation ? Intervient-il dans l’élaboration d’un discours sur le style ?

la question du canon : la constitution d’un patrimoine et d’une culture nationale fait-elle place aux œuvres de femmes ? L’identification par l’histoire littéraire de périodes et d’écoles, comme unités d’ordonnancement de son récit, a-t-elle contribué à l’imposition d’une vision genrée défavorable aux femmes créatrices ?

le genre des genres : les discours sur les genres (littéraires et artistiques) sont-ils, ou non, porteurs au XIXe siècle de contenus sexués et d’un ordre social de genre ? S’ils le sont, cela s’opère-t-il à travers la présentation des auteurs ? la valorisation des modèles ? la définition et la représentation des lecteurs / lectrices de l’un ou de l’autre sexe ? dans les hiérarchies entres genres majeurs et mineurs ?
la réception, ou prise en compte de la diversité des publics : la démocratisation de la lecture conduit-elle à faire évoluer les discours sur le public en différenciant entre lecteurs et lectrices ? quelles stratégies, de publication et d’appropriation, commandent les normes de genre, et leur contestation ?

la dimension nationale : y a-t-il une singularité française dans ce domaine ? La question peut s’envisager aussi bien concernant le XIXe siècle comme période (tradition politique, langue, production littéraire et artistique) que comme objet d’étude (protocoles de lecture et d’analyse). Qu’en est-il, par exemple, de la sollicitation dans le discours critique français contemporain de catégories répandues dans la recherche menée dans d’autres pays, comme celles d’agentivité, empowerment, intersectionnalité ?

Les propositions d’article (avec titre et résumé d’une page maximum, ainsi qu’une courte présentation bio-bibliographique) sont à envoyer à Christine Planté (Christine.Plante@univ-lyon2.fr) et à Damien Zanone (damien.zanone@uclouvain.be) avant le 15 janvier 2017. Les articles, d’une longueur maximale de 30000 signes (espaces compris) seront à envoyer avant le 15 septembre 2017.

 

Romantisme – numéro 2018-1
http://etudes-romantiques.ish-lyon.cnrs.fr/

Source

Les images vivent aussi : trajectoires biographiques des images

Revue « Images re-vues », avant le 15 janvier 2017

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En 1953, Chris Marker et Alain Resnais ont montré que les statues avaient une histoire dans Les statues meurent aussi. Les recherches récentes, en histoire, en anthropologie ou en histoire de l’art, accordent une place grandissante à une approche biographique des choses (Kopytoff 1986), mais aussi plus spécifiquement à celle des images, à leur trajectoire dans les cultures dans lesquelles elles évoluent. Ce numéro d’Images re-vues, revue pluridisciplinaire et transversale, est dévolu aux destins des images, qui en changeant de contexte, de temps, de lieu, connaissent des changements d’usage, des re-sémantisations, des transformations de toute nature et réinterrogent ainsi le regard porté par ces objets issus de la culture matérielle.

Changements de supports d’abord. La réutilisation d’une image implique souvent l’usage d’un autre support. Quel sens acquiert cette image lorsqu’elle passe d’un support à un autre, lorsqu’elle est manipulée et investie d’un autre imaginaire, en dehors du lieu de sa production et loin de ses usages initiaux ? Les antiquités gréco-romaines découvertes au cours de l’époque moderne sont par exemple méthodiquement dessinées puis gravées dans des « musées de papier » destinés à leur analyse et leur conservation par des savants, invitant ainsi à d’autres usages. De même, Roger Chartier a montré dans ses travaux sur les sept vies du texte de Bartolomé de Las Casas que la migration et la réédition des textes et des frontispices signifient bien souvent une modification du sens porté à leur contenu initial.

Changements de temps, de lieu et de contexte ensuite. Vincent Azoulay dans Les tyrannicides d’Athènes Vie et mort de deux statues a dévoilé tout l’intérêt d’une approche diachronique en analysant les discours et les images mettant en scènes les statues des tyrannoctones Harmodios et Aristogiton, de leur création au Ve siècle à Athènes jusqu’à leurs usages politiques au XXe siècle. Il a souligné l’importance d’appréhender ces reconfigurations à l’aune des contextes sociaux, politiques et artistiques qui les ont élaborées. De son côté, Marilyn Strathern propose de voir les artefacts comme des enactement of events, as memorials of and celebrations to past and future contributions (Stathern, 1990), irréductibles à des explications verbales qui les décoderaient, les systématiseraient et en expliqueraient définitivement le sens. Cette approche renouvelle ainsi l’appréhension à la fois des objets, mais aussi des événements, des performances et des relations telle qu’elle est traditionnellement traitée par les historiens, les anthropologues et les muséologues.

Changement de statut enfin. Comme la célèbre laitière de Vermeer, d’autres images, moins connues lors de leur création, ont pu connaître un succès des siècles plus tard. La découverte de l’art africain par les cubistes ou encore la fortune de la désormais fameuse Vénus de Milo, maintes fois reproduite à des fins commerciales, sont à ce propos éloquentes.

Les catégorisations avec lesquelles les images sont étudiées – préhistoriques, antiques, médiévales, baroques, chinoises, sacrées, profanes, planes ou tridimensionnelles – apparaissent ainsi réductrices, voire erronées si on ne les considère pas sur la longue durée. L’étude de certains « cas d’école » pose donc le problème de la construction des catégories d’analyse, voire la nécessité de leur réagencement. Ainsi les images « marchent », les objets sont en « mouvement » (Joyce & Gillepsie 2015) : ils évoluent en fonction de leur contexte d’usage, d’utilisation, voire d’énonciation et de (re)formulation. Cette attention à la vie des images permet d’historiciser, de contextualiser, de déplacer des frontières traditionnellement associées aux productions matérielles et invite à porter un autre regard sur les contextes successifs dans lesquels elles apparaissent.

Les articles pourront porter sur des aires géographiques et des époques diverses, conformément aux axes d’Images re-vues (http://imagesrevues.revues.org/)

Les propositions d’articles seront étudiées à condition de comporter entre 10 000 et 12 000 signes (espaces compris) et d’être envoyées avant le 15 janvier 2017

 Les articles (55 000 signes max., espaces compris) devront être envoyés avant le 15 avril 2017 à elise-lehoux@orange.fr et bgaillemin@gmail.com, accompagnés d’un résumé en français et en anglais (10/15 lignes) et de 3 à 5 mots-clés en français et en anglais.

Bibliographie indicative

  • Azoulay Vincent, Les tyrannicides d’Athènes. Vie et mort d’une statue, Paris, Seuil, 2014.
  • Bonnot Thierry, La vie des objets : d’ustensiles banals à objets de collection, Paris, Édition de la Maison des sciences de l’homme, 2002.
  • Bonnot Thierry, L’attachement aux choses, Paris, CNRS éditions, 2014.
  • Careri Giovanni, Lissarrague François, Schmitt Jean-Claude et Severi Carlo (eds.), Traditions et temporalités des images, Paris, Édition de l’École des Hautes Etudes en Sciences Sociales, 2009.
  • Hölscher Tonio, La vie des images grecques : sociétés de statues, rôles des artistes et notions esthétiques dans l’art grec ancien [cycle de 5 conférences données en juin 2015 au Musée du Louvre], Paris, Hazan, 2015.
  • Joyce Rosemary A. et Gillepsie Susan D. (eds), Things in Motion. Object Itineraries in Anthropological Practice, School for Advanced Research Press, Santa Fe, 2015.
  • Kopytoff Igor, « The Cultural Biography of Things : commoditization as process », dans Arjun Appadurai, The Social Life of Things, CUP, 1986.
  • Strathern Marilyn, « Artifacts of history. Events and the interpretation of images », dans Strathern Marilyn, Learning to see in Melanesia. Masterclass Series 2, Manchester, Hau Society for Ethnographic Theory, p. 157-178 (http://haubooks.org/viewbook/masterclass2/appendix1.pdf)

 

Appel à contribution Trajectoires biographiques des images Images re-vues.pdf

URLS de référence : Images re-vues

« Le peintre, le tableau et son accrochage »

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La Revue exPosition lance un appel à publication pour son troisième numéro à paraître en 2017.

Le tableau est par définition « une œuvre picturale réalisée sur un support autonome » (http://www.cnrtl.fr/definition/tableau). Ainsi, à la différence de la fresque par exemple, le tableau est un type de peinture qui peut être transporté, déplacé. Un lien essentiel associe donc le tableau à son autonomie spatiale : en tant qu’objet mobile, sa compréhension et son appréciation n’appellent pas, a priori, la prise en considération du lieu spécifique dans lequel il est présenté. Son encadrement, le cas échéant, aurait pour fonction d’isoler le tableau de l’espace environnant pour éviter tout parasitage visuel, permettant ainsi au spectateur de mieux concentrer son regard sur les formes et couleurs du tableau. Si cette conception n’est pas fausse, elle est néanmoins réductrice en ce qu’elle tend à suggérer que les peintres ne se seraient jamais préoccupés de l’environnement visuel de leurs œuvres (et plus largement de l’accrochage de leurs tableaux), s’attachant au contraire à les présenter comme des entités autonomes.

Afin de poursuivre et d’approfondir cette réflexion, la revue exPosition souhaite, pour son prochain dossier thématique, réunir des articles interrogeant la manière dont des peintres ont pu être amenés à prendre en compte l’hypothétique espace d’exposition de leur tableau, cherchant ainsi à établir un dialogue visuel entre leur œuvre et le milieu dans lequel elle est présentée. Le cadre chronologique se veut large, débutant à la fin du Moyen Âge avec le développement de la peinture sur panneau et s’étendant jusqu’à la période contemporaine. Les lieux d’accrochage étudiés pourront également être multiples : espaces religieux, demeures privées, musées, galeries, ateliers d’artistes, etc.

Toutes les propositions devront néanmoins aborder au moins une des questions suivantes : quels liens ont pu être tissés par un artiste entre un tableau et son espace d’accrochage ? Le fait que le tableau soit un objet mobile rend cette adéquation à un lieu nécessairement temporaire : le peintre l’a-t-il pris en considération ou non ? Quelles conséquences ont pu avoir des modifications de lieu ou d’accrochage sur notre manière d’appréhender un tel tableau ?

Le peintre pourra avoir conçu ce dialogue entre tableau et espace d’accrochage au moment de la réalisation de son œuvre, pour répondre par exemple aux exigences d’un commanditaire. L’artiste pourra tout aussi bien avoir été influencé par l’espace de production du tableau lui-même – son atelier par exemple. Dans ces deux cas, il s’agira d’analyser la manière dont cette perspective ou cet environnement immédiat a pu conditionner la conception du tableau. Cette réflexion sur l’accrochage pourra encore avoir été déterminée après l’achèvement du tableau, par l’artiste seul (pour les besoins d’une exposition temporaire par exemple) ou en discussion avec ses acquéreurs. Dès lors, comment l’œuvre a-t-elle acquis un sens nouveau dans cet espace donné ? Il pourra également être question de la manière dont des investigations ponctuelles dans le champ de la peinture murale, de l’architecture ou de la sculpture ont pu inciter des peintres de tableaux à penser de manière accrue le dialogue entre leurs œuvres et l’espace environnant. L’étude d’un tableau particulier, ayant connu différents espaces d’accrochage, modifiant ainsi son appréhension, et par là même le projet initial de l’artiste ou de ses potentiels commanditaires est tout aussi envisageable. Ces propositions ne sont que des pistes possibles, à compléter si nécessaire.

En tant que revue pluridisciplinaire mettant l’accent sur la prise de position argumentée de ses auteurs, en lien avec leur champ d’expertise, cet appel à contribution s’adresse autant à des universitaires et/ou professionnels de l’exposition (incluant les artistes eux-mêmes). Tout texte proposé sera soumis à une évaluation en double aveugle, qui tiendra compte notamment du respect des normes indiquées dans le document ci-joint.

L’article, de 40 000 signes maximum et en français, devra être remis par mail à Hélène Trespeuch (helene.trespeuch@revue-exposition.com) au plus tard le 2 janvier 2017.

Outre ce dossier thématique, le 3e numéro d’exPosition sera accompagné d’une rubrique Varia. Tout article respectant la ligne directrice de la revue (voir Présentation de la revue) pourra être soumis au comité de lecture dans les mêmes délais à l’adresse contact@revue-exposition.com.

Source : Le blog de l’ApAhAu

« La folie / Madness », Transverse Journal (Toronto, n°16, 2017)

 

Gustave Courbet, Autoportrait ou le Désespéré,1844-45La panoplie de « maladies » et d’« états » qui ont historiquement été subsumés de façon non critique sous le très opaque et ambigu nom de « folie » incluent la schizophrénie, la paranoïa, le trouble anxieux, l’hystérie, et plus récemment, le trouble bipolaire, le trouble de la personnalité multiple, la démence, etc.

Au-delà de l’aile psychiatrique ou du divan du psychanalyste, la folie se manifeste aussi dans les expériences quotidiennes et les routines – d’un fugace moment d’exaspérante compulsion obsessionnelle aux affres d’enivrant désir.

La société contemporaine est obsédée par le bien-être mental, et la réduction de la pleine conscience à une éthique du soin de soi finit plus souvent qu’autrement par encourager et dramatiser à l’excès les expériences les plus banales de dissonance et de détresse cognitive.

Les sociétés pharmaceutiques exploitent cette tendance en mettant l’accent sur les symptômes plutôt que sur les causes profondes, laissant les patient.e.s dans un état de crise perpétuelle. Cela a pour effet de brouiller les frontières entre le stress mental quotidien et les troubles psychiatriques, si bien que les besoins des deux groupes ne sont ni pris en charge, ni compris.

Le numéro 16 de Transverse souhaite aborder la folie sous toutes ses formes, afin d’éclairer la tendance paradoxale au diagnostic erroné et au compartimentage des maladies mentales, et simultanément à la surestimation et à l’exagération des anxiétés quotidiennes.

Transverse invite les propositions en provenance de toutes disciplines académiques traitant de toutes époques, ainsi que les travaux non-académiques et les approches créatives (photographie, arts graphiques et création littéraire). Les propositions peuvent s’inspirer des problèmes énoncés ci-haut, des sujets suivants, ou de tout autre thème connexe :

  • Les représentations de la folie et de la maladie mentale en littérature et en arts
  • La stigmatisation sociale et l’exploitation de la maladie mentale en société
  • La folie découlant d’excès de passion
  • La question du bien-être mental
  • L’inspiration comme folie
  • L’iconographie de la folie
  • Les tendances et pratiques actuelles en psychiatrie
  • Les espaces de la maladie mentale : l’aile psychiatrique, l’asile, etc.

La date de tombée est fixée au 14 octobre 2016.

Les propositions d’articles doivent comporter un maximum de 5000 mots, à interligne double, selon les règles de présentation MLA. Prière d’inclure avec votre contribution une courte biographie (50 mots), un bref résumé, ainsi que des mots-clés.

Pour plus d’informations quant aux propositions visuelles, contactez transversejournal@gmail.com ou référez-vous au www.transversejournal.org/cfp/.

Nous acceptons aussi des comptes rendus critiques, publiés en ligne. Veuillez nous faire parvenir vos textes ou œuvres visuelles par notre site internet : http://www.transversejournal.org/submission/.

RESPONSABLE :
Nina Youkhanna et Benjamin Bandosz

Centre for Comparative Literature, University of Toronto
http://www.transversejournal.org

Source: http://blog.apahau.org/appel-a-publication-la-folie-madness-transverse-journal-toronto-n16-2017/