Isabelle Barbéris, La démocratie contre la représentation ? Scènes et idéologies du réel

 

Studio XIX a le plaisir de recevoir Isabelle Barbéris, Maître de conférences en arts de la scène à l’université Paris VII- Paris Diderot et chercheuse associée au CNRS, le mercredi 16 mai de 18h à 20h en salle Benjamin à l’INHA.

Elle nous présentera ses recherches actuelles qui croisent esthétique de la scène contemporaine et philosophie politique, en nous offrant une plongée dans les formes démocratisées de l’expression scénique contemporaine (théâtre, danse, performance) à partir d’une mise en perspective historique et idéologique remontant à Tocqueville et à ses réflexions sur le théâtre et les arts. La démocratie en tant que culture politique détermine une sensibilité théâtrale spécifique et est elle-même traversée par des formes de dramatisation qui influent sur les formes de la représentation vivante.

A travers un corpus d’exemples connus, elle mettra en relief les tensions naturalistes qui animent la scène contemporaine et les arbitrages des artistes en quête de légitimité.

Le questionnement du naturalisme démocratique voit le jour à travers des objets divers (théâtre, danse, performance voire médias et arts visuels) et des thèmes de recherche éclectiques (kitsch, archive, parasite, posthumanisme), qui sont tous inquiétés par la tentation dé-représentative, identitaire et unitaire des formes scéniques.

Présentation du Centre Vivant Denon du Musée du Louvre

Françoise Mardrus, conservatrice du patrimoine,  nous présente le centre Vivant Denon du Musée du Louvre qu’elle dirige. Elle est accompagnée de Françoise Dalex, qui  a formé avec elle ce projet.
Il s’agit d’un lieu d’étude et de recherche dédié aux professionnels des musées, aux chercheurs mais aussi à tous ceux qui s’intéressent à l’histoire du Louvre et des musées. Il offre au public l’accès à une grande diversité de ressources sur les thèmes transversaux que sont l’architecture, la muséographie, les missions du musée et ses publics, et contribue au développement de projets de recherche sur ces sujets.

« Que je voudrais être poète !  » : Delacroix poète selon Delacroix

Nous vous proposons à la place et à l’occasion de l’exposition consacrée à Eugène Delacroix au musée du Louvre, une séance pluridisciplinaire autour de cet artiste. Nous vous rencontrerons salle Benjamin (INHA), de 18h à 20h.

Marie Frisson, doctorante en Littérature à l’Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle et l’Université de Bâle, nous présentera une communication intitulée  » « Que je voudrais être poète !  » : Delacroix poète selon Delacroix » elle suivra le parcours de la rétrospective consacrée au peintre en appliquant son oeil littéraire.

Pour lui répondre Morgane Weinling (doctorante à Paris I Panthéon-Sorbonne sous la direction de Dominique Poulot), qui a travaillé sur l’exposition dans le cadre d’une bourse Immersion du Labex, nous apportera un point de vue interne aux problématiques questionnées.

La véritable histoire de la « Belle Epoque ». Comment s’écrit l’Histoire : discussions sur le temps et ses interactions

Studio XIX a le plaisir de vous inviter à sa séance de mars. Pour l’occasion nous recevrons le mercredi 14 mars de 18h à 20h, en salle Benjamin, Dominique Kalifa et Béatrice Joyeux-Prunel.

Cliquez-ici pour écouter ou ré-écouter notre séance

Ces derniers nous parlerons du dernier ouvrage de Dominique Kalifa, La véritable histoire de la Belle Epoque.
Il sera question de la naissance de cette ère mais aussi de ses constituants, ses usages. La réflexion sera centrée sur les façons dont elle a pu affecter la production artistique : parle-t-on d’art « Belle Epoque », de peinture « Belle Epoque », de musique « Belle Epoque » ? Ils s’interrogeront également sur les évolutions contemporaines de l’expression, surtout hors de France.

Nous vous attendons nombreux

Paul Perrin – Les enjeux contemporains du métier de conservateur et ses rapports à la recherche universitaire.

Studio XIX a le plaisir de vous inviter à sa prochaine séance le mercredi 13 décembre en salle Vasari (INHA) de 18h à 20h. Nous recevrons Paul Perrin, conservateur des peintures au Musée d’Orsay, qui nous présentera les enjeux contemporains du métier de conservateur et ses rapports à la recherche universitaire.

 

Notre séance sera l’occasion pour lui de vous parler du projet de centre de recherche du Musée d’Orsay sur la production artistique du XIXème, qui doit voir le jour dans les années qui viennent.
Nous vous y attendons nombreux !

 

La galerie de minéralogie du MNHN, épistémologie d’un décor – programme SPESCIES

Olivier Vayron, doctorant en Histoire de l’art à Paris 4- Sorbonne, nous présente le programme SPECIES du Muséum National d’Histoire Naturelle.

Cliquez ici pour écouter ou ré-écouter notre séance


Entre 1851 et 1862, Auguste Biard, peintre salonnier, apprécié du public, reçoit de l’Etat français la commande d’un grand panorama à 360° de la Baie de la Madeleine au Spitzberg pour orner la galerie de minéralogie du Muséum de Paris. Ce cycle décoratif résulte d’une grande vague de production sur le thème du Grand Nord que le peintre réalise dès 1839 à son retour du Spitzberg à bord de la corvette La Recherche.
La corvette La Recherche fut en effet missionnée dès 1835 pour trouver les rescapés du navire La Lilloise perdue dans les mers du Nord. Embarque à son bord, à partir de 1836 et durant quatre années de suite, des scientifiques, des médecins et des peintres afin de réaliser un rapport complet sur les régions isolées, possiblement productives mais encore peu explorée du Grand Nord. Le résultat des récoltes, les mesures, les analyses, les relevés et les croquis, furent rapidement divulgués et publiés dans une série de comptes rendus et d’atlas pittoresques. Outre les périodiques qui communiquaient au public les avancées de cette série de voyages d’explorations, les premiers artisans qui rendirent compte, à grande échelle, de la physionomie de ces régions furent les artistes. A commencer par le grand panorama de Biard au muséum de Paris, ces œuvres, entre velléités scientifiques et évocations fantasmagoriques, ont influencé longtemps l’image que le public se fit du Grand Nord.

Programme 2016-2017

Pour l’année 2016-2017, nous aurons donc un cycle de six conférences donnant l’occasion aux différents chercheurs invités de présenter leur publications récentes, mais aussi quatre séances méthodologiques qui permettront aux jeunes chercheurs d’exposer leur travaux et de confronter leurs approches dans une atmosphère d’intimité, ces moments d’échange seront pour eux l’occasion de présenter l’avancement de leurs propres recherches.

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  • 28 septembre 2016: 18h à 20h, salle Nicolas-Claude-Fabri-de-Pereisc, séance Méthode.

L’art anglais.

Les doctorantes Cybill Whalley et Deborah Waintraub, qui travaillent respectivement sur « Les représentations de la montagne en Grande-Bretagne (Angleterre, Écosse, Pays de Galles) dans les arts visuel entre 1747 et 1867″, et  sur  » Le portrait britannique et la question du style (XVIIIe-XIXe siècles) » sont invitées à parler de l’avancement de leur travail. Pour leur répondre et les orienter Monsieur le professeur Pierre Wat sera présent, et nous aurons également la chance d’avoir les conseils de Monsieur Frédéric Ogée.

 

  • 19 octobre 2016 : 18h à 20h, salle Vasari, Séance Invité.

Table-ronde autour de Bertrand Tillier (dir.), L’Art du XIXe siècle (Paris, Citadelles et Mazenod, 2016).

A L’occasion de la sortie de l’ouvrage synthèse L’Art du XIXe siècle chez Citadelles et Mazenod, nous auront la chance de recevoir non seulement le directeur de publication Bertrand Tillier, mais aussi quatre autres des auteurs de ce recueil : Pierre Wat, Dominique Poulot, Paul-Louis Roubert et Rossella Froissart.

 

  • 23 novembre 2016 : 18h à 20h, salle Nicolas-Claude-Fabri-de-Pereisc, séance Méthode.Séance Ouverte

Chaque doctorant en arts du XIXe siècle est  invité à préparer une série de questions qu’ils souhaitent aborder. Cette sessions sera l’occasion d’évoquer les difficultés liées au corpus, nous aborderons aussi les ouvrages historiographiques clé de notre période, et les différentes méthodes d’analyse d’œuvre. Cette séance sera supervisée par Monsieur le professeur Pierre Wat.

 

  • 14 Décembre 2016 : 18h à 20h, salle Benjamin, Séance Invité

Mythes artistiques et identités culturelles : Aline Magnien et Eric Michaud

STUDIO XIX accueille Aline Magnien (directrice du LRMH et ancien conservateur en chef des collections  du Musée Rodin) et Éric Michaud (Directeur d’études à l’EHESS) pour une réflexion sur les mythes artistiques et les identités culturelles.

Cette séance résulte de la rencontre intellectuelle entre deux horizons – l’un monographique et l’autre historiographique – et deux auteurs qui ont manifesté une curiosité réciproque pour leurs travaux. Ce sont deux trajectoires de recherche qui se croisent aujourd’hui, d’un côté les études fondatrices d’Éric Michaud sur les fantasmes identitaires de l’histoire de l’art, de l’autre l’intérêt croissant d’Aline Magnien pour l’élaboration du mythe Rodin, par la référence notamment à Rembrandt, Michel-Ange ou Puget. Ces modèles esthétiques et biographiques ne sont pas neutres idéologiquement. Au contraire, ils nourrissent la légende « française » de Rodin en réveillant une géographie esthétique et anthropologique reposant sur la polarité du Nord et du Sud de l’Europe, des modèles antiques et médiévaux, des caractères latins et germains, païens et chrétiens.

A la veille de la grande rétrospective qui honorera le centenaire de la mort du sculpteur aux Galeries Nationales du Grand Palais, il s’agit donc d’analyser comment l’image en construction de Rodin et, par-delà Rodin, d’un certain « génie français », s’insère dès l’origine dans un système de représentations qui, de Louis Courajod à André Chastel, de Karl Schnaase à Heinrich Wölfflin, soumet la question esthétique à de tels a priori raciaux, identitaires ou nationaux.

 

  • 18 janvier 2017 : 18h à 20h, salle Benjamin, Séance Invité,

Présentation de la base Bibliographies de critiques d’art francophones par Marie Gispert et Lucie Lachenal.

Marie Gispert, à l’origine du projet avec Catherine Meneux, nous parlera de la réalisation du site internet hébergé par l’Université Paris 1, qui a pour objectif de mettre à disposition des chercheurs des bibliographies primaires de critiques d’art, assorties de la littérature secondaire correspondante et d’un référencement des archives disponibles. Ce site donnera notamment accès à une base de données comprenant l’ensemble des références présentes dans les bibliographies primaires des critiques d’art recensés.

Lucie Lachenal, vacataire scientifique au sein du projet, exposera le Workshop dédié à la base, qui se tiendra le 3 février prochain, visant à les chercheurs avec la base mais aussi à l’utiliser en direct en récupérant des données et en les traitant pour constituer des objets de recherche.

Elles évoqueront également la journée d’étude sur les critiques d’art qu’elles organisent le 31 mars.

  • 22 février 2017 : 18h à 20h, salle Nicolas-Claude-Fabri-de-Pereisc, Séance Méthode

Les arts décoratifs.

Adélaïde Lacotte qui travaille sur « L’œuvre du céramiste André Metthey ( 1871-1920). Art de la céramique et céramique d’artiste », nous présentera sa thèse et nous dévoilera ses questionnements. Pour cette session Monsieur le professeur Emmanuel Pernoud nous fera profiter de son expérience.

  • 22 mars 2017 : 18h à 20h, salle Benjamin, Séance Invité

Catégories esthétiques et classifications historiques au musée : le cas du musée du Louvre.

Danièle Cohn et Sébastien Allard.

Au cœur du display of art et des interrogations sur la scénographie, l’accrochage au musée devient un enjeu majeur dans l’histoire des arts et l’esthétique, à la croisée des chemins entre voie naturaliste et voie culturaliste. Cette pratique à la fois met en place une rhétorique du voir, et repose sur elle. Elle conditionne l’ expérience des œuvres dont dépendent les visiteurs. L’accrochage est certes marqué par le renouvellement que les neurosciences ont opéré dans l’approche de la vision et de l’orientation dans l’espace. Mais il est aussi historique de part en part et son histoire croise et vivifie celle des collections privées et des musées, de leurs architectures comme du marché de l’art.  Deux notions clé en esthétique et histoire de l’art nous guideront : la notion de catégorie et celle de classification, en prenant en compte la dimension pratique et empirique de part en part historique de ces deux notions à travers l’analyse de l’emploi qu’en fait le musée.

 

  • 19 avril 2017 :  18h à 20h, salle Benjamin, Séance Invité

Jean-Philippe Garric et Philippe Bordes : conférence autour de la question de l’architecte décorateur et Charles Percier (1764-1838).

Philippe Bordes, professeur émérite d’histoire de l’art moderne à l’Université Lyon 2, et Jean-Philippe Garric, professeur d’histoire de l’architecture à l’Université Paris 1, tous deux spécialistes de ces périodes, interviendront en reprenant un dialogue amorcé il y a plusieurs années autour de la production et des activités de Charles Percier.

Ils échangeront à travers les différentes problématiques abordées au sein du catalogue de l’exposition « Charles Percier (1764-1833), architecture et Design » récemment inaugurée au musée du château de Fontainebleau (et qui s’est tenue au Bard Center de New-York fin 2016), orchestrée par J-Ph. Garric.

Les contributions de cet ouvrage apportent des réflexions nouvelles autour de la figure de l’architecte, du décorateur, du dessinateur, du créateur de mobilier et d’objets d’art. En premier lieu, le débat scientifique tourne autour du processus créatif de Percier, œuvrant en étroite association avec l’architecte Pierre Fontaine. Souvent assimilés l’un à l’autre, quels sont les enjeux du choix de Percier sans Fontaine ? D’avantage dessinateur et spécialiste d’ornement, son rapport aux arts graphiques, utilisés comme support ou comme forme d’art en soi, ainsi que l’abondance de sa production (décoration intérieure, ébénisterie, orfèvrerie, céramique, projets d’architectures, relevés, dessins, etc.) incite à se poser la question du rôle de l’architecte et de l’artiste à l’aube du XIXe siècle.

  • 17 mai 2017 : 18h à 20h, salle Nicolas-Claude-Fabri-de-Pereisc, Séance Méthode

Les Arts graphiques

Stéphanie Prenant dont le sujet de thèse est « Le renouveau du pastel entre 1870 et 1914, à partir de l’étude des collections muséales françaises » présentera son travail.

Pour cette séance Monsieur le professeur Pierre Wat sera présent pour guider les réflexions.

 

  • 14 juin 2017 :  18h à 20h, salle Benjamin, Séance Invité

Perspectives historiographiques, M. Passini, François-Renée Martin et Pierre Wat.

Dans un ouvrage, à la fois érudit et très accessible, Michela Passini offre un panorama de tout premier plan pour quiconque voudrait se familiariser avec les grandes figures et les grands concepts de la théorie visuelle, en même temps qu’une synthèse pionnière montrant comment l’histoire de l’art s’est constituée en discipline, avec ses institutions propres ses plateformes d’échanges et ses dispositifs de contrôle de la production scientifique. Avec ce livre aussi documenté qu’ambitieux, Michela Passini propose, pour la première fois en français, une histoire transnationale de l’histoire de l’art. Une somme indispensable pour comprendre les origines de notre rapport présent aux œuvres d’art.

 

Marie Gispert et Lucie Lachenal, Bibliographies de critiques d’art francophones

Pour télécharger et écouter la séance, cliquez sur le lien.

Marie Gispert, à l’origine du projet de Bibliographies de critiques d’art francophones avec Catherine Meneux, nous parlera de la réalisation du site internet hébergé par l’Université Paris 1, qui a pour objectif de mettre à disposition des chercheurs des bibliographies primaires de critiques d’art, assorties de la littérature secondaire correspondante et d’un référencement des archives disponibles. Ce site donnera notamment accès à une base de données comprenant l’ensemble des références présentes dans les bibliographies primaires des critiques d’art recensés.

Lucie Lachenal, vacataire scientifique au sein du projet, exposera le Workshop de la base, qui se tiendra le 3 février prochain, visant à les chercheurs avec la base mais aussi à l’utiliser en direct en récupérant des données et en les traitant pour constituer des objets de recherche.

Elles évoqueront également la journée d’étude sur les critiques d’art qu’elles organisent le 31 mars.

Aline Magnien et Éric Michaud, Mythes artistiques et Identités culturelles

Mercredi 14 décembre à 18h00, salle Walter Benjamin à l’INHA, STUDIO XIX accueille Aline Magnien (directrice du LRMH et ancien conservateur en chef des collections du Musée Rodin) et Éric Michaud (Directeur d’études à l’EHESS) pour une réflexion sur les mythes artistiques et les identités culturelles.

Pour télécharger et écouter la séance, cliquez sur le lien.

Cette séance résulte de la rencontre intellectuelle entre deux horizons – l’un monographique et l’autre historiographique – et deux auteurs qui ont manifesté une curiosité réciproque pour leurs travaux. Ce sont deux trajectoires de recherche qui se croisent aujourd’hui, d’un côté les études fondatrices d’Éric Michaud sur les fantasmes identitaires de l’histoire de l’art, de l’autre l’intérêt croissant d’Aline Magnien pour l’élaboration du mythe Rodin, par la référence notamment à Rembrandt, Michel-Ange ou Puget. Ces modèles esthétiques et biographiques ne sont pas neutres idéologiquement. Au contraire, ils nourrissent la légende « française » de Rodin en réveillant une géographie esthétique et anthropologique reposant sur la polarité du Nord et du Sud de l’Europe, des modèles antiques et médiévaux, des caractères latins et germains, païens et chrétiens.

A la veille de la grande rétrospective qui honorera le centenaire de la mort du sculpteur aux Galeries Nationales du Grand Palais, il s’agit donc d’analyser comment l’image en construction de Rodin et, par-delà Rodin, d’un certain « génie français », s’insère dès l’origine dans un système de représentations qui, de Louis Courajod à André Chastel, de Karl Schnaase à Heinrich Wölfflin, soumet la question esthétique à de tels a priori raciaux, identitaires ou nationaux.

Michela Passini, l’oeil et l’archive

Studio XIX et les éditions de la Découverte ont le plaisir de vous inviter à une rencontre suivie d’un débat avec Michela Passini autour de son ouvrage, L’oeil et l’archive, une histoire de l’histoire de l’art.

Pour télécharger et écouter la séance, cliquez sur le lien.

Lors de cette séance Michela Passini répondra à Pierre Wat et François-René Martin.

Dans un ouvrage, à la fois érudit et très accessible, Michela Passini offre un panorama de tout premier plan pour quiconque voudrait se familiariser avec les grandes figures et les grands concepts de la théorie visuelle, en même temps qu’une synthèse pionnière montrant comment l’histoire de l’art s’est constituée en discipline, avec ses institutions propres ses plateformes d’échanges et ses dispositifs de contrôle de la production scientifique. Avec ce livre aussi documenté qu’ambitieux, Michela Passini propose, pour la première fois en français, une histoire transnationale de l’histoire de l’art. Une somme indispensable pour comprendre les origines de notre rapport présent aux œuvres d’art.

Charles Percier (1764-1833), architecture et Design

La prochaine séance de Studio XIX se teindra le 19 Avril, en salle Benjamin à l’INHA (2 rue Vivienne, PARIS 02), à partir de 18h.

Pour télécharger et écouter la séance suivez le lien.

Cette séance de séminaire, organisée et animée par les membres de Studio XIX, est orientée autour de la thématique du dessin, de l’ornement et de l’architecture de la veille de la Révolution à la fin de l’Empire.

Philippe Bordes, professeur émérite d’histoire de l’art moderne à l’Université Lyon 2, et Jean-Philippe Garric, professeur d’histoire de l’architecture à l’Université Paris 1, tous deux spécialistes de ces périodes, interviendront en reprenant un dialogue amorcé il y a plusieurs années autour de la production et des activités de Charles Percier.

Ils échangeront à travers les différentes problématiques abordées au sein du catalogue de l’exposition « Charles Percier (1764-1833), architecture et Design » récemment inaugurée au musée du château de Fontainebleau (et qui s’est tenue au Bard Center de New-York fin 2016), orchestrée par J-Ph. Garric.

Les contributions de cet ouvrage apportent des réflexions nouvelles autour de la figure de l’architecte, du décorateur, du dessinateur, du créateur de mobilier et d’objets d’art. En premier lieu, le débat scientifique tourne autour du processus créatif de Percier, œuvrant en étroite association avec l’architecte Pierre Fontaine. Souvent assimilés l’un à l’autre, quels sont les enjeux du choix de Percier sans Fontaine ? D’avantage dessinateur et spécialiste d’ornement, son rapport aux arts graphiques, utilisés comme support ou comme forme d’art en soi, ainsi que l’abondance de sa production (décoration intérieure, ébénisterie, orfèvrerie, céramique, projets d’architectures, relevés, dessins, etc.) incite à se poser la question du rôle de l’architecte et de l’artiste à l’aube du XIXe siècle.

LES PARADOXES D’OCTAVE MIRBEAU

L’université Paris-Sorbonne organise une journée d’étude à l’occasion du centenaire de la mort d’Octave Mirbeau.

Elle se tiendra le 25 mars dans l’amphithéâtre Descartes.

Le Programme est disponible ci-dessous ou en cliquant sur le lien.

9h : Accueil des participants
Introduction, Pierre Glaudes, Université Paris-Sorbonne
9h15-12h30, sous la présidence de Pierre Michel
– Romain Enriquez, Université Paris-Sorbonne, « Le Calvaire de Mirbeau, roman halluciné ? Les paradoxes d’un réalisme psychique »
-Arnaud Vareille, Société Octave Mirbeau, « Les paradoxes de l’anecdote dans les récits d’Octave Mirbeau »
-Discussion
10h45-11h Pause
-Éric Bordas, École Normale Supérieure de Lyon, « Mirbeau, de l’insistance à la tautologie : pratiques d’une ironie non humoresque».
-Loïc Le Sayec, Université Paris-Sorbonne, « « Soigner l’ordure par l’ordure » : esthétique du dégoût dans quelques romans d’Octave Mirbeau »
-Discussion
12h30-14h15 Déjeuner

 

14h15-17h30, sous la présidence de Pierre Michel
– Jacques Dürrenmatt, Université Paris-Sorbonne, « Quand la peinture résiste ».
-Pierre Glaudes, Université Paris-Sorbonne, « Le viol de Sébastien ».
Discussion
15h45-16h Pause
-Marie-Françoise Melmoux-Montaubin, Université de Picardie-
Jules Verne, « Mirbeau et Paul Bourget ».

– Marine Le Bail, Université Toulouse-Jean Jaurès, « Octave Mirbeau, bibliophile malgré lui ? »
-Discussion
Conclusion de la journée d’étude

7e édition du Festival de l’histoire de l’art- Nature & États-Unis

Pour la 7e édition du Festival de l’histoire de l’art, qui aura lieu les vendredi 2, samedi 3 et dimanche 4 juin 2017 à Fontainebleau, vous êtes invités à nous proposer vos projets de communication sur le thème Nature. La date limite de dépôt des propositions est le 11 décembre 2016.

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Château de Fontainebleau, Boudoir de la Reine Marie-Antoinette. Dessin de l’architecte Pierre-Marie Rousseau, 1787. Photo (C) RMN-Grand Palais (Château de Fontainebleau) / Gérard Blot

Le Festival de l’histoire de l’art

Le ministère de la Culture et de la Communication, l’Institut national d’histoire de l’art et le château de Fontainebleau s’associent, avec le concours du ministère de l’Éducation nationale, de l’Enseignement supérieur et de la Recherche, pour proposer la 7e édition du Festival de l’histoire de l’art (FHA). Le Festival explore chaque année un thème – 2017 sera consacré à la Nature – et propose quatre rendez-vous : l’invitation faite à un pays, cette année les États-Unis d’Amérique, le Forum de l’actualité, Art & Caméra, la section film et vidéo, le Salon du livre et de la revue d’art. Le Festival est également l’occasion de propositions pédagogiques pour l’enseignement de l’histoire des arts à l’école, au travers d’une Université de printemps et d’ateliers pédagogiques.
Les trois journées du Festival de l’histoire de l’art (FHA), conçues comme un carrefour des publics et des savoirs, proposent à des publics très divers (amateurs, curieux, étudiants, spécialistes) des conférences, des débats, des concerts, des expositions, des projections, des lectures et des rencontres dans le château et dans plusieurs sites de la ville de Fontainebleau.
Cet appel à communication s’adresse à des chercheurs français et étrangers, de préférence francophones. Les propositions de jeunes chercheurs, conservateurs ou encore restaurateurs seront examinées avec une attention particulière. Afin de donner à tous la possibilité d’intervenir, priorité sera donnée aux candidats qui n’ont pas été au programme des précédentes éditions du Festival. Nous tenons à réunir un vaste éventail de points de vue complémentaires et d’approches différentes, pour des thématiques, des artistes et des objets relevant des époques et des techniques les plus variées.

Le thème : Nature

À l’heure où le schéma dualiste nature/culture qui a fortement marqué la modernité occidentale tend à être remis en question, le Festival de l’histoire de l’art propose d’explorer le thème de la nature dans ses aspects les plus variés, en considérant bien sûr l’importante question de la mimêsis, mais sans s’y tenir exclusivement. Cette notion de nature sera entendue dans son sens large, comme l’ensemble des êtres et des réalités qui environnent l’homme mais ne sont ni créés, ni organisés par lui. Comme telle, la nature englobe une grande partie de l’activité scientifique, investit la pensée mythico-religieuse, stimule l’imaginaire et sert de référence à l’esthétique, sans omettre la quête de fusion liée à l’animisme/Gaïa ou encore la notion de Care. À travers les médiums artistiques et les domaines de l’histoire de l’art les plus variés, sans restrictions chronologiques ou spatiales, il s’agira ainsi d’interroger la nature autant comme inépuisable pourvoyeuse de formes à imiter que comme modèle d’activité créatrice. Est-il besoin de souligner que Fontainebleau, dont la forêt enchanta les poètes du règne des Valois avant de servir de motif aux peintres de l’École de Barbizon, est un lieu propice à explorer ce thème ?

Fondement de la beauté et de la morale, victoire sur le chaos, la nature est très souvent perçue comme un grand système de signes à déchiffrer et suscite bien des herméneutiques. Glorifiée comme un ensemble parfaitement ordonné, elle peut néanmoins laisser surgir des exceptions qui confirment ou perturbent les certitudes. Tel est l’objet du premier axe thématique envisagé, La nature en ordre. On y examinera plus particulièrement comment les œuvres d’art reflètent les lois scientifiques et les lois divines dont on fait dépendre la nature ; comment les artistes figurent ses aspects capricieux ou imprévisibles ; comment, enfin, les modèles explicatifs auxquels on la soumet, en tout premier lieu le modèle naturaliste, ont fécondé les autres domaines du savoir, notamment l’histoire de l’art.

Bien sûr, la nature des artistes n’est pas celle où les hommes vivent et dont ils observent la contingence et la trivialité ; ce sera là notre deuxième axe de réflexion, centré sur La nature mise en scène. On le sait, toute une tradition a fait de l’illusion l’unique règle esthétique, au point que l’imitation des objets de la nature à pu aller jusqu’à une sorte d’ascèse, ou de ferveur patiente, comme en témoignent certaines natures mortes. Or le principe qui veut que l’art tire son excellence de son rapport à la nature a justement entraîné toutes sortes d’effets de trompe-l’œil, de dissimulation et d’illusion qui touchent parfois au suprême artifice, ce qui se vérifie dans l’art des jardins aussi bien que dans les spectacles optiques, sans parler des interventions et des appropriations opérées par des artistes contemporains, que ce soit in situ, sur un territoire privé ou au sein de leur atelier.

Le troisième axe interrogera la nature moins comme décor ou contexte tenu à distance, que comme milieu, habitat et force active dont des peintres, des graveurs, des photographes, des cinéastes et des performeurs ont montré qu’elle pouvait tour à tour être apaisante, consolatrice, généreuse, protectrice, merveilleuse, indifférente, menaçante, cruelle et terrifiante. Intitulé La nature comme environnement, il pourrait aussi être l’occasion d’étudier la manière dont les artistes ont évoqué certains espaces spécifiques qui composent pour l’homme une topologie à la fois spatiale et personnelle, de la grotte aux sommets alpins, du jardin zen au désert érémitique. Enfin, il sera question ici du devenir des objets de nature, en premier lieu ceux manipulés par les artistes, puisqu’ils s’inscrivent sur une échelle de temps qui les destine à l’usure, au dépérissement et à la disparition.

1 La nature en ordre :
-les lois de la nature (lois scientifiques/lois divines)
-la nature et le sacré
-étudier la nature
-la nature comme modèle explicatif (analogie, taxonomie, théorie de l’art sur le modèle des sciences naturelles)
-la norme, le caprice et les dérèglements (merveilles, monstres, hybrides, transmutations, métamorphoses).

2. La nature mise en scène :
-jardin (du dessein aux installations) ;
-du cabinet de curiosités au musée ;
-représenter la nature (allégorie, paysage, nature-morte, genre animalier…) ;
-Land Art, Arte Povera, Earth Art, art environnemental, art in situ
-la nature comme décor et ornement (édifices, décors intérieurs, théâtre, opéra, ballet…) ;
-spectacles optiques (de la camera obscura à l’image en mouvement)

3. La nature comme environnement :
-les lieux de nature (la forêt, la montagne, la mer, le désert, la grotte, la campagne, le jardin, …) ;
-la nature nourricière (le monde rural, l’agriculture, la vigne, les vergers, l’élevage, la chasse)
-la nature menaçante (tempêtes, avalanches, volcans, tremblements de terre, tornades, flore et faune hostiles)
-le BioArt (transformations du vivant et réalité altérée à partir des biotechnologies)
-face au périssable (préserver, conserver).

Modalités de soumission et sélection des propositions

L’examen des propositions sera confié au comité scientifique du Festival de l’histoire de l’art. Les propositions doivent s’inscrire clairement dans les axes déterminés par l’appel à communication. La sélection cherchera à mettre en exergue toutes les périodes historiques ainsi que des médiums et des situations géographiques variées.
Les projets de communication doivent impérativement être rédigés en français et se présenter sous la forme suivante : titre du projet, résumé en 400 signes, présentation d’une page maximum (3500 signes), curriculum vitae de l’intervenant avec bibliographie. Les projets de communication à plusieurs intervenants (débat, table ronde…) sont limités à quatre personnes et le porteur du projet doit être clairement désigné. Les projets doivent être déposés avant le 11 décembre sur le site internet du Festival à l’adresse suivante http://festivaldelhistoiredelart.com/proposez-intervention/.
Les projets incomplets ne seront pas soumis au comité scientifique qui rendra ses décisions à partir du mois de janvier 2017.
La liste des membres du comité scientifique et le programme de l’édition 2017 sont à retrouver ici.

Source

« Colloque international Alphonse Legros » (Dijon, 4-5 mai 2017)

 

Les 4 et 5 mai 2017, Dijon, Université de Bourgogne et Musée des Beaux-arts de Dijon, d 1er janvier 2017

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Né à Dijon en 1837, Alphonse Legros aurait fréquenté l’École des Beaux-Arts de sa ville natale avant de gagner Paris puis Londres où il s’installe en 1863. En 1876, il est nommé professeur à la Slade, où il introduit l’enseignement de la gravure et de la sculpture. Membre fondateur en 1880 de la Society of Painters-Etchers, dont l’influence sur le renouveau de la gravure et de l’art du livre illustré est notable, Legros est également un médailliste reconnu, jouant un rôle important dans le renouveau de cet art. Lorsqu’il meurt en 1911, il est un citoyen britannique auquel la Tate Gallery rendra hommage par une très grande rétrospective.

Cet artiste polyvalent a également connu le succès en France, où une exposition est organisée par Samuel Bing dans sa galerie parisienne L’Art nouveau en 1898, avant la rétrospective du Musée du Luxembourg en 1900 par Léonce Bénédite. La dernière exposition Legros s’étant tenue à Dijon en 1987, le temps est donc venu de réévaluer depuis sa ville natale, l’œuvre, l’héritage et la double réception de ce citoyen britannique, fort peu anglophile.

Organisé par le centre de recherches TIL (Université de Bourgogne, EA 4186) et le Musée des Beaux-arts de Dijon, ce colloque s’adresse aux historiens de l’art, aux spécialistes de la culture visuelle, de la critique d’art et de l’esthétique, aux commissaires, aux collectionneurs et aux enseignants d’art.

Les communications pourront porter, entre autres, sur :

  • Legros et la culture visuelle de son temps : Legros et l’Esthétisme, l’esthétique proto-moderniste et le renouveau des arts graphiques ;
  • Legros et ses arts (peinture, sculpture, gravure), l’expérimentation dans la gravure, la lithographie, le dessin, la médaille, la transmédialité ;
  • Legros en France : la « Société des Trois » ; la création de la Société des Aquafortistes ; la reconnaissance de Legros en France dans les dernières décennies du XIXe siècle ;
  • Legros et l’illustration : ses illustrations (pour les histoires d’Edgar Poe par exemple) ; et son influence sur les illustrateurs de la fin du XIXe siècle ;
  • Legros et ses pairs, les réseaux de sociabilité, les influences, et la question de la légitimation et des institutions ; Legros sur le marché de l’art en France et en Grande-Bretagne aux XIXe, XXe et XXIe siècles ; Legros dans les collections ;
  • Legros enseignant: ses expérimentations pédagogiques à la SladeSchoolofArt; son influence sur les jeunes artistes ;
  • Legros entre France et Grande-Bretagne : transferts artistiques et culturels, reconnaissance, canonisation ou oubli ?

Merci d’envoyer une proposition d’environ 300 mots et une notice bio-bibliographique avant le 1er janvier 2017 à :

Sophie Aymes : sophie.aymes@u-bourgogne.fr
Bénédicte Coste : benedicte.coste@u-bourgogne.fr
Bertrand Tillier: bertrand.tillier@univ-paris1.fr

L’acceptation sera notifiée le 15 janvier 2017.

Colloque international Alphonse Legros
Université de Bourgogne et Musée des Beaux-arts de Dijon
Dijon les 4 et 5 mai 2017

Source

 

Prix de recherche des associations dix-neuviémistes – édition 2017

Comité de Liaison des Associations Dix-neuviémistes (CL 19), jusqu’au 31 décembre 2016

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Désireux de récompenser et promouvoir les travaux de chercheurs portant sur le XIXe siècle, le Comité de Liaison des Associations Dix-neuviémistes (CL 19) a créé un prix annuel destiné à couronner une thèse de doctorat ou un mémoire de troisième cycle portant sur le XIXe siècle (1789-1914). Ce prix est décerné pour la seconde fois en 2017, dans l’esprit du CL 19, qui réunit sociétés savantes, groupes de recherche, musées, bibliothèques et institutions culturelles concernées par l’étude du XIXe siècle.

 ARTICLE 1 – Modalités d’attribution

Le Prix sera attribué tous les ans par le Président du jury du Prix de recherche des associations dix-neuviémistes, sur proposition du jury réuni pour examiner les travaux soumis. Le jury peut proposer de ne pas attribuer le Prix si aucune des thèses déposées ne lui paraît avoir les qualités requises.

ARTICLE 2  – Conditions d’attribution

Les candidats, de nationalité française ou étrangère, devront avoir soutenu avec succès, au cours des deux années précédant la date de son dépôt auprès du jury, une thèse de doctorat ou un mémoire de troisième cycle rédigé(e) en français et portant sur le XIXe siècle (1789-1914).

ARTICLE 3  – Montant

Le montant du Prix est fixé chaque année par le jury du Prix. Ce Prix est destiné à aider à la publication de la thèse et à la poursuite des travaux de recherche du lauréat. Outre le Prix de recherche, des accessits pourront être attribués à deux autres candidats au plus, afin de récompenser la qualité de leurs travaux et de favoriser par des moyens non-financiers la publication et la diffusion de leur recherche.

ARTICLE 4  – Jury

Le jury du Prix de recherche du CL 19 est présidé par M. Jérôme Farigoule, directeur du Musée de la Vie romantique. Le jury est composé, en plus du président, de douze à quinze membres issus des différentes associations représentées au sein du CL 19, sur la base du volontariat. La liste des membres du jury est publiée chaque année. Le jury se réserve le droit de faire appel à des experts indépendants pour exprimer leur avis sur les thèses proposées.

ARTICLE 5 – Modalités de candidature

Les candidats au Prix de recherche doivent fournir, en format .pdf exclusivement, la thèse de doctorat ou le mémoire de troisième cycle soumis au jury, la copie d’une pièce d’identité, une attestation de l’obtention du diplôme de troisième cycle, le rapport de soutenance et un C.V. sans liste de publications : ce dossier sera adressé par mail à l’adresse suivante : bureaudeliaisonxix@gmail.com avant le 31 décembre 2016.

NB : pour l’édition 2017, on acceptera les travaux soutenus entre le 1er janvier 2015 et le 31 décembre 2016. 

Les candidats qui n’auraient pas reçu leur rapport de soutenance à la date de clôture de l’appel pourront compléter leur dossier de candidature en l’adressant par courriel dans les premiers jours de janvier, en mentionnant dans le mail de candidature que la pièce sera envoyée plus tard.

Le Prix récompense un travail de troisième cycle (thèse ou doctorat) : les travaux de Master ne sont pas admis à concourir.

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