POURQUOI REVENIR AUX CHOSES ?

Cette année le séminaire d’Art et Société de Madame Laurence Bertrand Dorléac continue son exploration de la notion de « chose » en art.

Pour cela elle invite un certain nombre de personnalités du domaine de l’art à intervenir. dans les locaux de Sciences-Po, Salle du Traité (56 rue Jacob, 75006 Paris )

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Il s’agira donc d’étudier la portée des choses dans les représentations de toutes sortes, fabriquées à l’aide de toutes les techniques, à toutes les époques. Moins pour nous détacher avec mépris de la matérialité que pour reconnaître ce qui, dans la culture matérielle, assure les pratiques mais aussi les savoirs et les croyances, l’aliénation ou la liberté. A cet égard, elles ont largement autant participé de l’oppression que de l’invention du quotidien (Michel de Certeau).

La première séance sera consacré à Delacroix :

05/10/2016 – 17:00 Séminaires

« Delacroix et les choses, se souvenir des impressions »

Dominique de FONT-RÉAULX, Conservateur général au Musée du Louvre, Paris.

Cette séance tentera d’analyser quelle place Delacroix donna aux objets dans son désir de garder vifs les souvenirs de ses impressions.  « Une foule de notes prises en courant me paraissent inintelligibles. En revanche, je vois clairement en imagination toutes ces choses qu’on n’a pas besoin de noter et qui sont peut-être les choses qui méritent d’être conservées dans la mémoire […]. » (Eugène Delacroix, Souvenirs d’un voyage dans le Maroc).

Le Programme des autres séances n’est pas encore en ligne mais nous avons cependant la liste des invités. Ainsi :

19/10/2016 – 17:00, Olivier BERGGRUEN, Historien de l’art, New York

26/10/2016 – 17:00 Séminaires, Paula BARREIRO, Chercheuse en histoire de l’art, programme Ramón y Cajal, Universitat, Barcelone.

16/11/2016 – 17:00 Séminaires, Philippe BETTINELLI, Historien de l’art, collection art public du Centre National des Arts Plastiques, Paris.

04/01/2017 – 17:00 Séminaires, Manuel CHARPY, Historien, CNRS/IRHIS, Lille III

22/02/2017 – 17:00 Séminaires, Tristan GARCIA, Ecrivain, philosophe, Lyon III

01/03/2017 – 17:00 Séminaires, Lola JIMENEZ-BLANCO, Historienne de l’art, Universidad Complutense, Madrid.

19/04/2017 – 17:00 Séminaires, Caroline VAN ECK, Historienne de l’art et de l’architecture, Universiteit Leiden.
N’hésiter pas à consulter le site de Sciences-Po au cours de l’année pour le détail des séances.
Source: Sciences-Po et le blog de l‘Apahau.

La Mode masculine 1820-1970 (II) : corps et objets

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Le séminaire « La Mode masculine 1820-1970 », revient pour une seconde année. Après s’être intéressé aux sources d’étude, le programme « Histoire de la mode et du vêtement », se propose de traiter des corps et des objets. En poursuivant le même objectif qui est de mettre en lumière la singularité et la complexité de ces cent cinquante années de mode masculine. Singularité et complexité en réalité occultées par une idée formulée au début des années 1930, celle d’un « grand renoncement » masculin, qui serait responsable à la fois du caractère soi-disant neutre et uniforme de la garde-robe virile et de l’abandon par l’homme à la femme de tout ce qui touche au domaine de la mode. De l’analyse des métamorphoses de la silhouette masculine, de la quête d’une apparence qui n’hésite pas à recourir aux artifices de la cosmétique, de la part importante de la subjectivité dans la composition du vestiaire et des comportements intimes, il devrait ressortir que ces générations d’hommes participèrent bel et bien au système de la mode et qu’ils furent en réalité des consommateurs au même titre que les femmes, en dépit d’une certaine conception de la virilité moderne tendant à afficher sa méfiance à l’égard de la mode.

En partenariat avec la Kunstbibliothek Staatliche Museen zu Berlin, le musée de la Chemiserie et de L’Élégance masculine, Argenton-sur-Creuse, et le Centre allemand d’histoire de l’art, Paris

Responsable scientifique : Philippe Thiébaut (INHA)

  • 5 octobre 2016, INHA, salle Vasari, 14h-17h

Cosmétique et virilité au tournant des XIXe et XXe siècles
Zsolt Mészàros (Eötvös Lorànd University, Budapest)

Suit: the cutural history of an idea
Christopher Breward, professor (Edinburgh College of Art)

La chemise Lacoste – du vêtement de sport au sportswear
Céline Nadal, conservateur du Muséum de Troyes et du Musée de la Bonneterie

« Arrange ton col »
Jean Bouquin, ancien chiffonnier

 

  • 2 novembre 2016, INHA, salle Vasari, 14h-17h

Coffrets et boîtes : un artefact de l’élégance masculine à l’époque romantique
Vincent Boirel, collectionneur et consultant spécialiste du marché de l’art (Paris)

L’architecte Adolf Loos (1870-1933) et la mode masculine anglaise
Adelheid Rasche (Berlin)

« Noveltex, la chemise à la mode ! »
Nathalie Gaillard (Argenton-sur-Creuse)

 

  • 7 décembre 2016, INHA, salle Vasari, 14h-17h

Les équipements collectifs de l’hygiène du corps au XIXe siècle : vers une nouvelle vertu virile ?
Fabienne Chevallier, historienne de l’art et de l’architecture (Paris)

La couleur, une affaire de mode pour le vêtement professionnel des postes et du rail dans la première moitié du XXe siècle
Jérémie Brucker, doctorant (CERHIO-Université d’Angers)

Le sous-vêtement masculin dans la France des Trente Glorieuses : l’exemple d’Eminence
Philippe Thiébaut (Paris)

 

Source : INHA

Une nouvelle histoire de la critique d’art à la lumière des humanités numériques ?

Appel à communication (date limite des envois : 2 novembre 2016)

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Initié en 2014 et soutenu par le Labex CAP, la Comue Hésam, l’HiCSA et l’Université Paris 1, le programme de recherche « Bibliographies de critiques d’art francophones » réunit une équipe interdisciplinaire. Il a pour objectif de valoriser la recherche dans le domaine de la critique d’art en mettant à disposition des chercheurs les bibliographies primaires de critiques d’art existantes.

Le socle de ce programme est la réalisation d’un site internet. Ce site contiendra un répertoire monographique permettant d’accéder à une page par critique, comprenant des documents .pdf téléchargeables (bibliographie primaire du critique, bibliographie sur le critique, sources d’archives).  Il ouvrira également sur une base de données répertoriant l’ensemble des références présentes dans les bibliographies primaires des critiques d’art mises en ligne ; enfin, le site proposera un annuaire des chercheurs ayant collaboré au projet.

Ce site internet sera lancé fin décembre 2016 et sera présenté au public et aux spécialistes lors d’une journée d’étude inaugurale le 3 février 2017. Outil pratique mis à disposition des chercheurs, il soulève également un certain nombre de questionnements théoriques. Ce colloque souhaite donc à la fois exploiter les possibilités de la base et réfléchir à ses répercussions dans l’approche de la critique d’art.


Argumentaire du colloque

Compris dans un premier temps comme un simple outil d’une histoire de la réception des œuvres, les écrits relevant de la critique d’art ont souvent été cités sans tenir compte du contexte de leur énonciation et surtout de l’identité de leurs auteurs. Si les études monographiques de qualité se sont récemment multipliées, on observe que la médiation des connaissances sur la critique d’art continue de passer par des corpus fragmentés et des anthologies. Aujourd’hui, les outils numériques permettent d’aller plus loin, et de proposer des modèles d’organisation et de diffusion du savoir qui envisagent différemment la critique d’art, loin de son statut de simple marginalia de l’œuvre commentée. Partant de ce constat, le programme de recherche Bibliographies de critiques d’art francophones (Labex CAP, HeSam université, Université Paris 1) lancera à la fin de l’année 2016 un site proposant non seulement la bibliographie complète d’auteurs ayant exercé la critique d’art mais donnant également la possibilité de faire des recherches par champ (date, revue, auteur, etc.).

Plus qu’un simple outil documentaire, ce futur site permet de revoir en profondeur la manière d’aborder la critique d’art et les critiques d’art. Non discriminant, puisqu’il ne prévoit pas de typologie ou de classement autre que le support de diffusion du texte (article, ouvrage ou chapitre d’ouvrage), interdisciplinaire, ce site ne vise pas à l’appréciation de la valeur critique du texte – éminemment subjective – au profit d’une vision d’ensemble de la production littéraire des auteurs concernés, quel que soit le champ artistique sur lequel leur regard s’est porté (photographie, cinéma, beaux-arts, architecture, etc.). Il permet ainsi une approche renouvelée à la fois de la production critique de chaque auteur – aucun texte ne prenant le pas sur un autre – et sur la critique d’art en général dont le champ se voit élargi à une grande diversité à la fois d’objets et de supports. Ce sont ces renouvellements, qui sont également des questionnements théoriques, que le colloque se propose d’aborder selon quatre axes.

Faire carrière

Privilégiant les critiques d’art à la critique d’art, le site affirme tout d’abord une approche monographique qui pose un certain nombre de questions. Prendre en compte l’ensemble des écrits d’un auteur ayant exercé la critique en envisageant le temps long permet ainsi de s’interroger sur son positionnement dans un champ, littéraire, artistique, voire commercial pour les artsqui sont aussi des produits de consommation, et sur l’évolution de ce positionnement. Peut-on, à proprement parler, utiliser le terme de « carrière » pour un critique et comment en déterminer les étapes à la fois professionnelles et intellectuelles ? Comment cette « carrière » peut-elle se construire face à la nécessité de rendre compte d’une actualité artistique toujours plus dense ? Peut-on, pour des domaines plus neufs ou plus techniques comme ceux de l’architecture, du cinéma ou de la photographie, véritablement parler de critique d’art professionnel ?

Masse critique

Proposer des bibliographies à finalité exhaustive suppose de prendre en compte l’ensemble des écrits d’un critique dans une approche qui ne soit plus qualitative mais quantitative. La « masse critique » ainsi dégagée suppose une réévaluation des corpus. Dans quelle mesure permet-elle une réflexion sur la place de certains textes, non plus donnés isolés mais réinscrits dans une histoire et dans un corpus, dans une sorte de génétique de la critique qui permettrait de déconstruire certains mythes fondateurs. Comment ces textes ont-il pu faire l’objet de refonte et de réédition et avec quelles conséquences ? Mais cette masse critique peut engager également à une approche statistique ou plus sociologique, posant la question de la constitution d’une expertise et de l’existence d’une « critique moyenne ».

Nouveaux corpus

Au sein de cette « masse critique », certains types de textes ou de supports souvent minorés retrouvent leur place dans la production d’un critique. La confrontation de bibliographies exhaustives permet ainsi de mettre en lumière une nouvelle manière de faire de la critique d’art à cette période et pose la question des supports et formes de publication. Quelles sont les nouvelles formes que prend cette critique d’art, enquêtes ou interviews d’artistes ou de collectionneurs par exemple ? Quel est le rôle joué par les préfaces de plus en plus nombreuses écrites par les critiques d’art dans les catalogues de revues et comment leur étude peut-elle permettre de réfléchir par des cas concrets au fameux système « marchand critique » ? Du côté des supports, on peut s’interroger sur la place prise par les quotidiens dans le champ critique mais aussi sur la manière dont s’articulent, pour l’architecture, le cinéma ou la photographie, écrits dans les revues techniques et écrits dans les revues artistiques.

Au-delà de la critique d’art

Interdisciplinaire, la base/le site met également en lumière la polygraphie essentielle des auteurs ayant pratiqué la critique. Souvent touche-à-tout, ils s’intéressent à des domaines très différents, fréquemment dictés par l’actualité, ce que permet de montrer une bibliographie exhaustive. Cependant, une fois ce constat posé, la confrontation entre les textes continue de poser un certain nombre de questions. Existe-t-il encore des champs spécifiques, par exemple pour les arts décoratifs ? Le fait d’écrire sur plusieurs media suppose-t-il une certaine analogie dans la structuration de nouveaux champs ? Comment évolue l’idéal d’unité des arts à la lumière de ces écrits sur l’art et de leurs supports ? Y a-t-il une approche spécifique d’ensembles nouveaux, de pratiques nouvelles, qu’elles soient considérées ou non comme artistiques, par exemple dans le champ politique ?

Une nouvelle histoire de la critique d’art à la lumière des humanités numériques ? (du milieu du XIXe siècle à l’Entre-deux-guerres)
Paris, INHA, 18 et 19 mai 2017

Colloque organisé par Anne-Sophie Aguilar (Paris 1, HiCSA), Eléonore Challine (ENS Cachan), Christophe Gauthier (Ecole nationale des Chartes), Marie Gispert (Paris 1, HiCSA), Gérald Kembellec (CNAM, Diden-IDF), Lucie Lachenal (Paris 1, HiCSA), Eléonore Marantz (Paris 1, HiCSA), Catherine Méneux (Paris 1, HiCSA).

Modalités de soumission

Les propositions de communication, d’une page maximum, et indiquant les principales sources utilisées, sont à adresser avec un CV avant le 2 novembre 2016  à :

Anne-Sophie Aguilar (anso.ag@free.fr)
Eléonore Challine (eleonore.challine@ens-cachan.fr)
Christophe Gauthier (christophe.gauthier@enc-sorbonne.fr)
Marie Gispert (marie.gispert@wanadoo.fr)
Lucie Lachenal (lucielachenal@free.fr)
Eléonore Marantz (eleonore.marantz-jaen@univ-paris1.fr)
Catherine Méneux (catherine.meneux@orange.fr)

Les réponses seront communiquées au plus tard le 9 janvier 2017.

 

Source : blog de l’Apahau

Paris, de la Restauration à la Grande Guerre

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L’Institut d’études avancées de Paris organise chaque année des cycles de conférences consacrés aux sciences humaines et sociales. Animées par des spécialistes du domaine, ces conférences sont ouvertes au public et se déroulent à l’hôtel de Lauzun, Ile Saint-Louis. Le cycle de conférences « Paris, de la Restauration à la Grande Guerre » présente l’évolution politique, sociale et culturelle de Paris, des années 1830-1914.

Les conférences se feront à l’Institut d’études avancées de Paris, Hôtel de Lauzun, Salle des Gardes – 17 quai d’Anjou à Paris. Vous devez nécessairement vous inscrire pour assister aux présentations (voir le lien sur chaque date).

 

8 novembre 2016

  • Paris monarchique, Paris impériale, Charles-Éloi Vial, Bibliothèque nationale de France

Paris accueille au XIXe siècle la cour de trois rois – Louis XVIII, Charles X, Louis-Philippe – et deux empereurs – Napoléon Ier, Napoléon III. La capitale vit au rythme des fêtes et représentations publiques de la monarchie et suit de près le quotidien d’une cour qui ne cesse de se métamorphoser sous l’emprise des changements de société et des crises politiques. Sa présence a laissé de nombreuses traces dans les résidences de la capitale qui sont modernisées, ainsi que dans le tissu urbain et des constructions phares comme l’opéra Garnier.

 

13 décembre 2016

  • Les élites juives parisiennes à la fin du XIXe siècle, Cyril Grange, CNRS / Université Paris-Sorbonne

Au début du XIXe siècle, le nombre de juifs parisiens, devenus « français de confession israélite » depuis peu, ne dépasse pas 1000 personnes. Un siècle plus tard, leur nombre atteint 40 000 individus. Les élites au « sommet » de cette société juive ont comme caractéristique d’être cosmopolites dans le sens où l’origine géographique de leurs membres est très diversifiée. Elle rassemble des familles originaires des départements de l’est, du sud, du sud-ouest, mais aussi des pays allemands, d’Autriche-Hongrie, de l’Empire ottoman ou encore de Russie. Cette haute société juive parisienne de la fin du XIXe siècle est une véritable micro-société aux contours bien dessinés. Le poids des secteurs financiers et du négoce est important, mais on observe une diversification vers l’industrie, les professions juridiques, médicales et intellectuelles. Son empreinte s’affirme aussi par un phénomène d’acculturation dans les domaines social et artistique qui marqueront l’histoire de la capitale.

 

10 janvier 2017

  •  Paris, capitale de l’hygiène publique ? Stéphane Frioux, Université Lumière Lyon 2

Paris, capitale politique et scientifique, fut-elle une « ville Lumière » en matière d’hygiène publique ? Alors que sa population s’accroit et que de profondes transformations urbanistiques s’opèrent dans son territoire, la ville est au centre de l’attention d’un groupe de savants et de réformateurs : les hygiénistes. L’amélioration de l’environnement quotidien des Parisiens a été un chantier de longue haleine, aux effets inégaux, et qui ne peut être dissocié d’un flux intense d’échanges d’expérience et de circulations de savoirs, aux échelles nationale et internationale. Cette hygiène publique très technique, qualifiée à la fin du siècle d’ingénierie sanitaire, constitue enfin une œuvre faite de nombreux tâtonnements et innovations, dont la gestion environnementale et « durable » des villes actuelles est l’héritière.

La conférence campera le décor et le contexte de l’action des hygiénistes en revenant brièvement sur la situation de la première moitié du XIXe siècle, avant de mettre en lumière les travaux menés à Paris et le rôle que la capitale a tenu dans le petit monde des spécialistes de questions d’eau, d’assainissement et de propreté.

 

14 février 2017

  •  Les transformations de Paris sous le Second Empire, Florence Bourillon, Université Paris-Est Créteil Val-de-Marne

De ville rentière au XVIIIe siècle, Paris est devenue au XIXe siècle une ville industrielle et commerciale active. Sa population a pratiquement doublé entre 1806 et 1846, renforçant la densité des arrondissements du centre (plus de 100 000 habitants au km2 dans les anciens 4e, 5e et 6e arrondissements).

Tout au long du premier XIXe siècle, des tentatives de modernisation de la ville sont prises, mais aucune n’atteindra l’ampleur des travaux menés sous le Second Empire sous la préfecture du baron Haussmann. Le discours aux accents saint-simoniens que Napoléon III prononce lors de l’inauguration du boulevard de Sébastopol – inachevé – le 5 avril 1858, indique l’ambition de ces projets : « Nous verrons ainsi chaque année de grandes artères s’ouvrir, des quartiers populeux s’assainir, les loyers tendant à s’abaisser par la multiplicité des constructions, la classe ouvrière s’enrichir par le travail, la misère diminuer et Paris répondre ainsi de plus en plus à sa haute destination ».

Outre les tracés de voies nouvelles, la construction d’édifices publics, l’aménagement de parcs et de squares, l’approvisionnement en eau, la réfection des égouts, etc., le doublement du territoire de la ville avec l’intégration de la « petite banlieue », comprise entre le mur des Fermiers généraux et les fortifications, entame le desserrement de l’agglomération et prépare son entrée dans le XXe siècle.

 

14 mars 2017

  •  Paris, ville « sidérée » par des attentats au XIXe siècle, Gilles Malandain, Université de Poitiers

Partant de la triste actualité que nous connaissons, et en s’appuyant sur la sociologie de la « sidération » qui s’est forgée dans l’analyse des attentats contemporains (en particulier depuis le 11 septembre 2001), cette conférence proposera un retour sur les attentats perpétrés à Paris entre la Révolution et la veille de la Grande Guerre. Car si l’attentat « terroriste » est souvent perçu comme une violence spécifique du XXe siècle, il relève en réalité d’une histoire plus ancienne, qui pourrait remonter jusqu’à l’Ancien régime. Mais c’est la Révolution française qui ouvre véritablement l’espace politique de l’attentat contemporain, avant même la première « vague » d’attentats terroristes, imputable à certains militants anarchistes dans les années 1890. Avant Ravachol et Caserio, Saint-Réjant, Louvel, Fieschi, Orsini, et quelques autres, avaient déjà frappé l’opinion par leurs gestes spectaculaires, au coeur de la capitale, suscitant des interrogations auxquelles les nôtres font encore écho.

 

11 avril 2017

  • Paris et les expositions universelles, Christine Demeulenaere-Douyère, conservateur général, EHESS

Les expositions universelles sont un phénomène majeur de l’histoire de la seconde moitié du XIXe siècle et Paris, plus qu’aucune autre capitale, semble avoir entretenu avec elles une relation intime : entre 1855 et 1900, elle accueille cinq expositions universelles et recevra à nouveau les expositions internationales de 1925 (arts décoratifs et industriels), 1931 (exposition coloniale) et 1937 (arts et techniques dans la vie moderne). Véritables « Olympiades du Progrès », les expositions ne sont pas que les fêtes du commerce et de l’industrie. Elles façonnent aussi la ville, tant dans son schéma urbanistique en la dotant d’équipements modernes et de musées et monuments nouveaux, qu’au plan de son ouverture sur le monde, en transformant la cité en kaléidoscope des architectures du monde.

 

9 mai 2017

  • Les grands magasins et la lente agonie du petit commerce, David Walker, Université de Sheffield

La conférence se tiendra en français

Les transformations industrielles et socio-économiques du XIXe siècle ont contribué à provoquer chez les petits commerçants une méfiance durable à l’égard des grands magasins. Les arcades et les magasins de nouveautés, précurseurs d’établissements tels que le Bon Marché créé par Aristide Boucicaut en 1852, ont attiré également l’attention des hommes de lettres, notamment Balzac et Zola. Les textes de ces écrivains, faisant écho à l’œuvre des historiens, permettent de circonscrire l’enjeu des luttes qui éclatent entre les propriétaires des petites boutiques et les entrepreneurs qui menacent de les écraser en bouleversant le commerce avec de nouvelles méthodes et de nouvelles structures. Ils témoignent d’une révolution dans la conception du consommateur et des rapports entre le client et l’offre commerciale. La conférence retrace cette évolution qui met la tradition artisanale aux prises avec un capitalisme conquérant, opposition qui marque le tournant vers la consommation de masse.

 

Source : http://calenda.org/377599

« Le peintre, le tableau et son accrochage »

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La Revue exPosition lance un appel à publication pour son troisième numéro à paraître en 2017.

Le tableau est par définition « une œuvre picturale réalisée sur un support autonome » (http://www.cnrtl.fr/definition/tableau). Ainsi, à la différence de la fresque par exemple, le tableau est un type de peinture qui peut être transporté, déplacé. Un lien essentiel associe donc le tableau à son autonomie spatiale : en tant qu’objet mobile, sa compréhension et son appréciation n’appellent pas, a priori, la prise en considération du lieu spécifique dans lequel il est présenté. Son encadrement, le cas échéant, aurait pour fonction d’isoler le tableau de l’espace environnant pour éviter tout parasitage visuel, permettant ainsi au spectateur de mieux concentrer son regard sur les formes et couleurs du tableau. Si cette conception n’est pas fausse, elle est néanmoins réductrice en ce qu’elle tend à suggérer que les peintres ne se seraient jamais préoccupés de l’environnement visuel de leurs œuvres (et plus largement de l’accrochage de leurs tableaux), s’attachant au contraire à les présenter comme des entités autonomes.

Afin de poursuivre et d’approfondir cette réflexion, la revue exPosition souhaite, pour son prochain dossier thématique, réunir des articles interrogeant la manière dont des peintres ont pu être amenés à prendre en compte l’hypothétique espace d’exposition de leur tableau, cherchant ainsi à établir un dialogue visuel entre leur œuvre et le milieu dans lequel elle est présentée. Le cadre chronologique se veut large, débutant à la fin du Moyen Âge avec le développement de la peinture sur panneau et s’étendant jusqu’à la période contemporaine. Les lieux d’accrochage étudiés pourront également être multiples : espaces religieux, demeures privées, musées, galeries, ateliers d’artistes, etc.

Toutes les propositions devront néanmoins aborder au moins une des questions suivantes : quels liens ont pu être tissés par un artiste entre un tableau et son espace d’accrochage ? Le fait que le tableau soit un objet mobile rend cette adéquation à un lieu nécessairement temporaire : le peintre l’a-t-il pris en considération ou non ? Quelles conséquences ont pu avoir des modifications de lieu ou d’accrochage sur notre manière d’appréhender un tel tableau ?

Le peintre pourra avoir conçu ce dialogue entre tableau et espace d’accrochage au moment de la réalisation de son œuvre, pour répondre par exemple aux exigences d’un commanditaire. L’artiste pourra tout aussi bien avoir été influencé par l’espace de production du tableau lui-même – son atelier par exemple. Dans ces deux cas, il s’agira d’analyser la manière dont cette perspective ou cet environnement immédiat a pu conditionner la conception du tableau. Cette réflexion sur l’accrochage pourra encore avoir été déterminée après l’achèvement du tableau, par l’artiste seul (pour les besoins d’une exposition temporaire par exemple) ou en discussion avec ses acquéreurs. Dès lors, comment l’œuvre a-t-elle acquis un sens nouveau dans cet espace donné ? Il pourra également être question de la manière dont des investigations ponctuelles dans le champ de la peinture murale, de l’architecture ou de la sculpture ont pu inciter des peintres de tableaux à penser de manière accrue le dialogue entre leurs œuvres et l’espace environnant. L’étude d’un tableau particulier, ayant connu différents espaces d’accrochage, modifiant ainsi son appréhension, et par là même le projet initial de l’artiste ou de ses potentiels commanditaires est tout aussi envisageable. Ces propositions ne sont que des pistes possibles, à compléter si nécessaire.

En tant que revue pluridisciplinaire mettant l’accent sur la prise de position argumentée de ses auteurs, en lien avec leur champ d’expertise, cet appel à contribution s’adresse autant à des universitaires et/ou professionnels de l’exposition (incluant les artistes eux-mêmes). Tout texte proposé sera soumis à une évaluation en double aveugle, qui tiendra compte notamment du respect des normes indiquées dans le document ci-joint.

L’article, de 40 000 signes maximum et en français, devra être remis par mail à Hélène Trespeuch (helene.trespeuch@revue-exposition.com) au plus tard le 2 janvier 2017.

Outre ce dossier thématique, le 3e numéro d’exPosition sera accompagné d’une rubrique Varia. Tout article respectant la ligne directrice de la revue (voir Présentation de la revue) pourra être soumis au comité de lecture dans les mêmes délais à l’adresse contact@revue-exposition.com.

Source : Le blog de l’ApAhAu

Oscar Wilde, L’impertinent absolu

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En marge de son exposition sur Oscar Wilde qui se tiendra du 28 septembre 2016 au 15 janvier 2017 (pour une description complète rendez vous sur le site du musée), le Petit Palais lance une série de conférences et projection en lien avec l’auteur irlandais.

Nous vous avons sélectionné une partie des présentations et œuvres auxquelles vous pourrez assister.

 

  • Le Samedi 15 octobre 2016 à 16h00

Oscar Wilde, un écrivain français ?

Conférence Oscar Wilde, un écrivain français ? par Pascal Aquien, professeur à l’Université de Paris Sorbonne

 

  • Le Dimanche 16 octobre 2016 à 15h

Projection : « Le fantôme de Canterville » de Jules Dassin et Norman Z. Mc Leod (1944)

 

  • Le Dimanche 23 octobre 2016 à 15h

Projection : « Le Portrait de Dorian Gray » d’Albert Lewin (1945)

 

  • Le Dimanche 30 octobre 2016 à 15h

Projection : « Salomé » de William Dieterle (1953)

 

  • Le Samedi 19 novembre 2016 à 16h

« Le Portrait de Dorian Gray » d’Oscar Wilde

Conférence « Le Portrait de Dorian Gray » d’Oscar Wilde par Xavier Giudicelli, maître de conférences à l’Université de Reims Champagne-Ardenne

 

  • Le Samedi 7 janvier 2017 à 16h

Oscar Wilde et l’opéra

Conférence Oscar Wilde et l’opéra par Emmanuel Reibel, librettiste et musicologue, professeur à l’Université Lyon 2.

 

  • Le Samedi 14 janvier 2017 à 16h

La Chute d’Oscar Wilde : ou la vengeance de Sa Majesté Britannique

Conférence La Chute d’Oscar Wilde : ou la vengeance de Sa Majesté Britannique par Merlin Holland, conseiller scientifique de l’exposition et petit-fils d’Oscar Wilde.

 

Pour retrouver toutes les activités proposées, rendez-vous directement sur la page de l’Auditorium

L’entrée est libre sous réserve de présentation du programme et des places disponibles

 

« L’Art, machine à voyager dans le temps »

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Le voyage dans le temps (ou à travers les temps) est un vieux rêve de l’humanité, qui, comme tous les vieux rêves de l’humanité, a trouvé sa place (privilégiée) dans la littérature (et dans les arts, ceux du temps – le cinéma et la bande dessinée – comme ceux qui, apriori, ignorent le temps). L’œuvre de H.G. Wells, TheTimeMachine (1895), est sans doute la plus célèbre parmi les fictions qui inventent des dispositifs permettant de se déplacer dans le temps. Ce que ce colloque se propose de faire, c’est de voir en quoi la littérature elle-même peut fonctionner comme une machine à voyager dans le temps.

Voici les axes de réflexion, non exclusif ayant attrait aux arts visuels et à l’architecture:

a) comment les arts statiques font-ils pour suggérer l’idée du temps ?

b) la peinture peut-elle figurer une action en cours (on pensera entre autres aux réflexions de Lessing) ?

c) pour ce qui est du cinéma, le montage permet de bouleverser l’appréhension du temps. Notons aussi que, dans le cas du cinéma comme dans celui du théâtre, de l’opéra et du ballet, c’est l’œuvre qui impose son tempo au « lecteur », et non pas l’inverse.

d) la musique (à l’exception de l’opéra et de la musique de ballet) s’inscrit de son côté dans le temps de manière beaucoup plus simple que les arts narratifs, puisque la dichotomie entre le temps du racontant et le temps du raconté est annulée. Toutefois, la notion de tempo mérite d’être repensée en rapport avec la figure de l’interprète, qui fait office de médiateur entre le temps de l’œuvre et le temps du récepteur.

e) la danse, elle, peut sembler, dans sa pratique du temps, s’apparenter au théâtre – à ceci près qu’elle comporte un élément de rythme plus évident.

f) on pourra étudier également les projets architecturaux qui prennent en compte dès l’abord le processus de vieillissement ou d’altération (dont la limite est la ruine).

f) quant à la photographie (du moins jusqu’à la photographie numérique), elle est une trace, et une survivance, de telle sorte qu’en elle l’être et l’avoir-été, ces deux catégories radicalement « hétérogènes » selon Jankélévitch, se mêlent.

Beaucoup d’autres points méritent d’être abordés : l’imaginaire de l’éternel retour ; l’ « effet papillon » (voir ASoundofThunder de Ray Bradbury, 1952) ; le paradoxe du grand-père (Robert Heinlein, By His Bootstraps, 1941) ; le « retour vers le futur » ; les phénomènes de divination, de voyance, de précognition… La liste est longue, et nous attendons des futurs communicants qu’ils nous révèlent des aspects de la question auxquels nous n’avions pas songé.
Ce colloque se voulant fortement interdisciplinaire, cet appel s’adresse aux représentants de toutes les disciplines académiques, depuis la littérature jusqu’à la physique en passant par l’histoire, l’histoire de l’art, l’archéologie, l’anthropologie, les mathématiques, etc.

Les langues de travail du colloque seront le français, l’anglais et l’allemand.

Les propositions (1/2 page environ), accompagnées d’une brève notice bio-bibliographique, sont à envoyer à Augustin Voegele (augustin.voegele@uha.fravant le 30 novembre 2016.

Frais d’inscription : 40 euros (25 euros pour les doctorants, gratuit pour les membres d’ILLE et les chercheurs de l’Université de Haute-Alsace). Les repas et l’hébergement seront offerts en retour aux participants.

Les Actes du colloque seront publiés au plus tard au premier trimestre 2018. C’est pourquoi il sera demandé aux participants d’envoyer leur texte avant le 30 avril 2017.

Organisateur : Augustin Voegele, Université de Haute-Alsace

Comité scientifique :

Nikol Dziub, Docteur, Université de Haute-Alsace
Florence Fix, Professeur des Universités, Université de Lorraine
Frédérique Toudoire-Surlapierre, Professeur des Universités, Université de Haute-Alsace
Sébastien Hubier, Maître de conférences HDR, Université de Reims
Frédéric Montégu, PRAG, Université Lyon 2
Richard Saint-Gelais, Professeur titulaire, Université Laval, Québec
Augustin Voegele, Université de Haute-Alsace
Éric Wessler, Docteur, Université de Strasbourg

Source: http://blog.apahau.org/appel-a-communication-lart-machine-a-voyager-dans-le-temps-mulhouse-23-25-mars-2017/

« La folie / Madness », Transverse Journal (Toronto, n°16, 2017)

 

Gustave Courbet, Autoportrait ou le Désespéré,1844-45La panoplie de « maladies » et d’« états » qui ont historiquement été subsumés de façon non critique sous le très opaque et ambigu nom de « folie » incluent la schizophrénie, la paranoïa, le trouble anxieux, l’hystérie, et plus récemment, le trouble bipolaire, le trouble de la personnalité multiple, la démence, etc.

Au-delà de l’aile psychiatrique ou du divan du psychanalyste, la folie se manifeste aussi dans les expériences quotidiennes et les routines – d’un fugace moment d’exaspérante compulsion obsessionnelle aux affres d’enivrant désir.

La société contemporaine est obsédée par le bien-être mental, et la réduction de la pleine conscience à une éthique du soin de soi finit plus souvent qu’autrement par encourager et dramatiser à l’excès les expériences les plus banales de dissonance et de détresse cognitive.

Les sociétés pharmaceutiques exploitent cette tendance en mettant l’accent sur les symptômes plutôt que sur les causes profondes, laissant les patient.e.s dans un état de crise perpétuelle. Cela a pour effet de brouiller les frontières entre le stress mental quotidien et les troubles psychiatriques, si bien que les besoins des deux groupes ne sont ni pris en charge, ni compris.

Le numéro 16 de Transverse souhaite aborder la folie sous toutes ses formes, afin d’éclairer la tendance paradoxale au diagnostic erroné et au compartimentage des maladies mentales, et simultanément à la surestimation et à l’exagération des anxiétés quotidiennes.

Transverse invite les propositions en provenance de toutes disciplines académiques traitant de toutes époques, ainsi que les travaux non-académiques et les approches créatives (photographie, arts graphiques et création littéraire). Les propositions peuvent s’inspirer des problèmes énoncés ci-haut, des sujets suivants, ou de tout autre thème connexe :

  • Les représentations de la folie et de la maladie mentale en littérature et en arts
  • La stigmatisation sociale et l’exploitation de la maladie mentale en société
  • La folie découlant d’excès de passion
  • La question du bien-être mental
  • L’inspiration comme folie
  • L’iconographie de la folie
  • Les tendances et pratiques actuelles en psychiatrie
  • Les espaces de la maladie mentale : l’aile psychiatrique, l’asile, etc.

La date de tombée est fixée au 14 octobre 2016.

Les propositions d’articles doivent comporter un maximum de 5000 mots, à interligne double, selon les règles de présentation MLA. Prière d’inclure avec votre contribution une courte biographie (50 mots), un bref résumé, ainsi que des mots-clés.

Pour plus d’informations quant aux propositions visuelles, contactez transversejournal@gmail.com ou référez-vous au www.transversejournal.org/cfp/.

Nous acceptons aussi des comptes rendus critiques, publiés en ligne. Veuillez nous faire parvenir vos textes ou œuvres visuelles par notre site internet : http://www.transversejournal.org/submission/.

RESPONSABLE :
Nina Youkhanna et Benjamin Bandosz

Centre for Comparative Literature, University of Toronto
http://www.transversejournal.org

Source: http://blog.apahau.org/appel-a-publication-la-folie-madness-transverse-journal-toronto-n16-2017/

« Kit de survie pour l’historien de l’art en milieu numérique » (Paris, 23 septembre 2016)

galerie_colbert_4Cette journée à destination des publics de la Galerie Colbert est une initiation à des ressources et à des outils numériques pour la recherche en histoire de l’art. Les outils présentés ont été choisis en raison des axes méthodologiques qu’ils recouvrent dans la gestion et le traitement des sources et en fonction de nombreux retours d’expérience qui les signalent comme indispensables. Ils contribuent à l’identification, l’organisation, la collecte, la sauvegarde, l’annotation et même au partage de la documentation dans la conduite d’un travail de recherche. Cette journée propose donc d’accompagner l’historien de l’art – ou futur historien – dans la «grande conversation» numérique d’aujourd’hui. Les séances plénières du matin seront suivies l’après-midi par l’organisation de plusieurs ateliers.

En partenariat avec Anhima et Thalim

Comité scientifique

  • Anne-Laure Charrier (DBD-INHA)
  • Antoine Courtin (CID-INHA)
  • Vincent Ferotin (Anhima)
  • Benoît Legouy (Thalim)
  • Antonio Mendes (InVisu, CNRS/INHA)

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Informations pratiques

23 septembre 2016

  • 9H30-12H
    Galerie Colbert, Salle Walter Benjamin
  • 14H-17H30
    Galerie Colbert, Salle Walter Benjamin, Salle Nicolas Fabri de Pereisc et Salle André Chastel

Institut national d’histoire de l’art
2, rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs
75002 Paris

Entrée dans la limite des places disponibles.
A noter que les ateliers de l’après-midi se feront par petits groupes (6/8 personnes)
Inscription obligatoire par ce formulaire : https://goo.gl/forms/CyyNJo4dUvA1K8ej2

Source : http://blog.apahau.org/conference-kit-de-survie-pour-lhistorien-de-lart-en-milieu-numerique/

Genèse du musée documentaire (1840-1900)

Capture

La réception très inégale du concept de « musée documentaire », du fait de sa polysémie et de ses applications variées, n’a pas permis jusqu’à présent de cerner pleinement cette idée qui connait un certain écho au tournant du XXe siècle. L’intérêt pour ce qu’on appelle un « document » et sa monstration ne cesse de croître tout au long du XIXe siècle. Quelles sont les motivations des promoteurs de ces entreprises privées de diffusion et de médiation utilisant les concepts de document et de documentation (industriels philanthropes, sociétés d’amateurs photographes…) ? À quels publics veut-on s’adresser ? Comment les institutions patrimoniales croisent-elles ou non ces préoccupations de fixation des traces du contemporain ?

Organisation

Journée d’étude organisée par la Bibliothèque de documentation internationale contemporaine, l’équipe de recherche HAR (Histoire des Arts et des Représentations) de l’Université Paris Nanterre et le Labex Les Passés dans le présent dans le cadre du programme de recherche « Genèse et histoire des musées documentaires ».

Argumentaire

La réception très inégale du concept de « musée documentaire », du fait de sa polysémie et de ses applications variées, n’a pas permis jusqu’à présent de cerner pleinement cette idée qui connait un certain écho au tournant du XXème siècle. L’intérêt pour ce qu’on appelle un « document » et sa monstration ne cesse de croître tout au long du XIXème siècle.

Le « document » de plus en plus ne se confine plus à l’écrit. Tandis que les expositions universelles familiarisent le public avec les témoignages des progrès techniques, se développe un intérêt de plus en plus vif pour les « documents », de toute nature, qui jalonnent les différentes histoires nationales en cours d’écriture, de la pièce archéologique aux archives écrites. Le sens initial du terme « document » connaît ainsi plusieurs déplacements sémantiques en se répandant au-delà des cercles des archives et des bibliothèques.

L’arrivée de la photographie et les capacités de large diffusion offertes par les progrès de l’imprimerie interrogent aussi la notion même de « musée » qui peut revêtir de multiples sens, allant des publications (« musées de papier ») aux lieux d’exposition et/ou de consultation de « documents ». La photographie réinvente l’expérience du musée, entre lieu d’exposition, centre de documentation ou assemblage virtuel d’images. En outre, qu’elle soit considérée comme une image technique, dans le cas de la photogrammétrie, ou comme une image « archive », dans le cas de collections de documentation historique, sociale ou folklorique, elle transforme le rapport au temps et à l’histoire : elle apparaît comme une capture du présent faite pour la mémoire à venir.

Quelles sont les motivations des promoteurs de ces entreprises privées de diffusion et de médiation utilisant les concepts de document et de documentation (industriels philanthropes, sociétés d’amateurs photographes…) ? À quels publics veut-on s’adresser ? Comment les institutions patrimoniales croisent-elles ou non ces préoccupations de fixation des traces du contemporain ?

À la suite de ce premier volet consacré au XIXème siècle, une seconde journée portera en 2017 sur le XXème siècle à l’occasion du centenaire de la BDIC, avec la participation notamment du musée Albert Kahn.

Programme

Matinée

  • 9h30 – Accueil
  • 9h45 – Introduction : Valérie Tesnière (Bibliothèque de documentation internationale contemporaine) Des archives au musée : de la Révolution au Second Empire
  • 10h – Arnaud Bertinet (Université Paris 1 Panthéon – Sorbonne) La place de l’histoire dans les musées de Napoléon III
  • 10h30 – Hilaire Multon et Corinne Jouys Barbelin (Musée d’archéologie nationale) La naissance du musée des Antiquités nationales au Château de Saint-Germain (1868)

Pause

Les publications

  • 11h30 – Ségolène Le Men (HAR/Université Paris Nanterre) Les musées de papier
  • 12h – Yann Potin (Archives nationales) Monuments ou documents ? Entre vitrines et catalogues, les projets de Musée des Archives nationales et départementales de Léon de Laborde et Alfred Maury (1857-1878)
  • 12h30 – Débats et conclusion de la matinée
  • 13h – Déjeuner

Après-midi

14h30

Table ronde : L’invention du social, animée par Caroline Fieschi (BDIC)

  • Jaap Klostermann (International Institute of social history, Amsterdam) Les collections d’histoire sociale au XIXème siècle, un panorama des différentes initiatives en Europe
  • Michel Prat (CEDIAS) Le concept de document au sein du Musée social entre 1870 et 1914

Pause

15h45

Table ronde : Photographie et musée documentaire, animée par Christian Joschke (HAR/Université Paris Nanterre)

  • Estelle Sohier (Université de Genève) Utopique ? L’expérience du Musée suisse de photographies documentaires (Genève, 1901- 1909)
  • Eléonore Challine (ENS Cachan) Confluences : les photographies documentaires entre musée et revue au tournant du XXème siècle

17h – Synthèse Dominique Poulot (Université Paris 1 Panthéon – Sorbonne)

Lieux

  • Bâtiment Max Weber, auditorium – Université de Paris Nanterre, 200 Avenue de la République
    Nanterre, France (92)

Dates

  • vendredi 30 septembre 2016

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